Meet John Doe: el humanismo Capra.

La crisis y los Juan "Nadies".

A principios del pasado siglo, la sociedad mundial andaba convulsa como consecuencia del término de muchos imperialismos coloniales. Además, la revolución industrial y el avance de los índices comerciales en muchos países creó un aumento de la población en muchos países europeos, creando una masa ingente de individuos ambrientos y familias motivadas y obligadas a buscar su futuro en tierras americanas.
Una de esas familias sería italiana, más concretamente de Sicilia, y de apellidos ahora fundamentales en la historia del cine. The Capra´s.

La recepción por parte de los EEUU fue una acogida con miras al progresismo emergente en manos de Theodore Roosevelt y el comienzo de la maquinaria productiva de la fábricación en serie.
Los padres y cuatro hijos incluyendo al pequeño Frank Capra de seis años, se vieron embarcados en el Germania en busca de la deseada prosperidad económica.

Mirándolo con perspectiva cinematográfica es evidente que su padre fue un auténtico John Doe, y posteriormente él mismo lo sería también, pues se alimentaron como pudieron (se dice únicamente de plátanos) por no conocer en absoluto el idioma. California como meta dorada y más concretamente Los Ángeles serían los inicios de su fabulosa carrera.
Sin embargo, toda esa prosperidad en manos del progresismo era una deteriorada fachada con una capa de pintura fresca. Este periodo se conformó en una década de transición hasta la Primera Gran Guerra Mundial y una crisis sin parangón en un país en contínua expansión económica.
El hambre y la pobreza crearía un ejército de parados y desarrapados, buena gente otrora. Cualquier individuo hubiera podido ser un auténtico John Doe por entonces, incluido en el propio Frank Capra, que ya se había graduado como ingeniero químico. Sin embargo, o gracias a esos estudios se familiarizó en el celuloide, pues su deseo de convertirse en escritor se había cumplido en los tumultuosos años 30. Y la escritura, ya que Capra (que comenzaría vendiendo periódicos en el centro de L.A. y después como extra) descubriría la poesía y los ensayos de Montaigne.

Frank Capra fue guionista y director de las comedias interpretadas por un cómico de la época afamado, llamado Harry Langdon. Posteriormente, las desavenencias propiciarían su marcha hasta llamar a las puertas de un Mack Sennett (con su estudio que comenzaba a ser devorado por la Gran Depresión hasta su ruina) y una unión con Paramount Pictures.
Como se puede observar sus inicios fueron una mina para adentrarse en los conocimientos humanos y los cambios políticos y sociales de su época. Una escuela de primera necesidad.

Cuando Frank Capra se embarca, en plena Segunda Guerra Mundial (1941) en el magnífico guión de Meet John Doe junto a su amigo Robert Riskin (basados en un cuento de Richard Connell y Robert Presnell Sr.), ya había conseguido tres Oscar como director. Por tanto era un triunfador hecho a sí mismo y conocedor de los vaivenes de la vida. Y de los embates duros que golpeó algunos incipientes estudios de Hollywood.
Con la maquinaría de los grandes estudios en pleno rendimiento, sólo optaría ese año al Oscar por dicho argumento original sin conseguirlo.
Como curiosidad diré algunas de las películas que competían ese mismo año: Bola de fuego, Las tres noches de Eva, Ciudadano Kane, El Sargento York, El halcón maltés, Qué verde era mi valle, La loba, Sospecha... etc... etc.

Frank Capra consiguió como protagonistas una pareja ya mítica. Cooper y Stanwyck unirían esfuerzos interpretativos en Bola de fuego (enorme película) y Soplo salvaje.
Una vez se abre la puerta de la oficina de ese periódico, mientras los despidos se hacían cebo en dicho despacho castigado aún por la depresión (más de 10 años después), y entra el desaseado y hambriento Gary Cooper, sabemos que éste va a ser el auténtico John Doe. Y aunque pareciera tenerlo fácil, no lo es. Todo lo contrario. Un galán bien parecido y una estatura demasiado aparente, no parece lo más convincente para las características de dicho papel.
Pero, Gary Cooper con su mirada y su tímida interpretación, que va configurando hasta el final de ídolo de masas, se mimetiza y configura como uno de los grandes actores de la época dorada. Él es y será para la eternidad, Juan Nadie.

Por otro lado, estaba otra actriz que no se quedaba a la zaga respecto a su potencia y calidad en la actuación. Barbara Stanwyck estaba en su gran etapa en Hollywood, en 1941 está dama se encarga junto a Meet John Doe, de Ball of Fire (Howard Hawks) y The Lady Eve. Casi nada.
Al ver a Cooper también sabe que ese "pobre" hombre es el candidato para confabular esta gran mentira. Pero claro, arriesgar a veces compromete la estabilidad emocional y se enamora perdidamente. Se veía venir.
Sin embargo, su papel tiene tantas aristas y ramificaciones como el propio de John Doe. Barbara juega duro, no iba a ser despedida del periódico sin más. Para conseguir su crecimiento personal y el alimento, hará lo que sea. Mentir, coaccionar y hasta traicionar. Pero, la traición no entra en las pretensiones de Cupido.
Normal, su unión configura una de las mejores parejas de Hollywood.

La voz de Walter Brennan (qué genial actor, me fascina su naturalidad y practicidad) es la "silenciosa" conciencia de la verdad. En un mundo cruel, dónde todo el mundo miente, sus concesiones a la apertura de ojos de John Doe, son lecciones de vida y de la realidad. Con todas sus consecuencias.
Todo cambia a su alrededor y muy deprisa. Todo menos él. Se mantine firme con su dignidad intacta, mientras que todo se tambalea a su alrededor. Porque Meeting John Doe, es una película sobre la mentira con mayúsculas.
Otro gran papel, es el Edward Arnold pasando seguramente de superviviente en el mundo infectado del periodismo, a ambicioso y poderoso magnate con ínfulas de poder político.
El sensacionalismo como método de captar más clientes, más ojos a los que propagar el engaño a costa del ansiado incremento de la cartera.

Ciertamente todos los actores, incluyendo los más pequeñitos papeles están perfectos. Frank Capra era un director de actores, sabía como tratarlos y se rodeaba de ellos para sacar el mejor beneficio de su obra. Incluso sus dudas iniciales respecto a Stanwyck se desvanecieron cuando fue contratada en 1930 para su film: Ladies of Leisure, trabajarían en otras buenas películas.
Una obra en equipo, como le gustaba trabajar al maestro.
De sus propias palabras se desprende este trabajo coral y fascinación por los actores con los que trabajaba. Decía a sus propios técnicos: "ustedes están trabajando para los actores, no lo están haciendo para la imagen de su propio trabajo".
Capra sabía que el reconocimiento técnico vendría después.
Como así ha sido, hasta la actualidad.

Y es que la historia repite cíclicamente los procesos de crisis.
Ahora por nuestras calles, vuelven a crecer los "John Doe´s". Los engañadores y los engañados, porque Meet John Doe está en la máxima actualidad. Su revisión nos muestra que cualquier persona, de cualquier idealismo se puede aferrar a su contemporáneo argumento, porque sobre todo, habla de un conocimiento univeral. Lo bueno y lo malo del ser humano.

Por un lado, se asirán a ella, los humildes. Frank Capra es un representante de la humildad y la bondad. Sus personajes tienen el carisma y la necesidad de compartir y hacer el bien. Yo creo que Capra era una estupenda persona, me hubiera gustado conocerle. Cómo no, soy cinéfilo.
Las ideologías. De uno y de otro lado, defendiendo las causas sociales o la creación de un tercer poder que ejerza una mano más dura. Cada uno se agarrará a aquello que más le interese. Frank Capra era muy listo. Propone, pero no se moja en ninguna de las decisiones posibles. Un suicidio de un indiduo es cosa seria, no hay ejército que valga una vida por insignifacante que sea, y menos si se trata de la luz de una estrella como Gary Cooper. Capra sabe que la mano izquierda se debe de unir a la derecha para trabajar por el futuro, porque ha sobrevivido a la Gran Depresión y a dos grandes guerras.
Conseguir el éxito y el poder, construído sobre una gran mentira. Los personajes de Capra son (o intentan serlo) honestos. Y los que utilizan la debilidad de los demás quedan retratados, aunque no llevados a ningún supuesto paredón ideológico. Se definen por sus amorales comportamientos. Capra hace del humor su casa, mas su cine no es lo que parece a primera vista. Hay una oscuridad evidente.
La religión y la fe, se intenta apoderar de los hechos contados. En cambio, Frank Capra que le otorga unos minutos apabullantes, muestra a Juan Nadie con una mirada confusa e incrédula. Capra decide no tomar ese camino, aunque enseña sus creencias.

Los héroes construyen la historia de los pueblos. Aunque se base en una mentira irrespirable y desfigurada por el cuarto poder. Esto es, la prensa.
Los discursos (maravillosas palabras dicen Brennan, el espectacular James Gleason y el propio Cooper. Que repetirá en ocasiones como El sargento York o El orgullo de los yanquis, ya recuperado de su lesión en el codo) son elaborados por poderosos y los humildes siempre tendrán las de perder en apariencia, pues su poder radica en su corazón.
Y Frank Capra demostró tener uno bien grande.
Algún día hablaré de su gran obra maestra ¡Qué bello es vivir!.

Desconozco si a Frank Capra le hubiese gustado ser una John Doe cinematográfico.
Desde luego, a mí no. Hay edades para cada camino en la vida.
Y el suicidio no es lo mío. ¿Uds. qué eligen?

***** Sobresaliente *****

Begin the Beguine, de Cole Porter. Artie Shaw and His Orchestra:


Ball of fire, Drumm Boggie:

Moonrise Kingdom: El reino de Anderson.

Por los cuentos sin complejos.

Los mundos cinematográficos de Wes Anderson se adentran por los mágicos reinos de la ensoñación particularísima. A través de una contemplación (casi poéticamente infantil) y de un surrealismo característico del director de Texas.
Sus guiones están repletos de su extraña comicidad, con la vocación por la naturaleza y los cuentos clásicos.
Además, se hace acompañar en la escritura de Roman Coppola (hermano de Sofia y acompañante en otros trabajos anteriores). Interesante sería saber la aportación de dos mentes distintas en las formalidades del guión.

Cuando Anderson se distancia de sus códigos reconocibles y loables, dejando paso a una motivación de los personajes por la capacidad destructiva y violenta con sus congéneres ficticios, es cuando mi cabeza se evade en un limbo particular. Es como que no cuadra esa representación infantil y surrealista, con el mundo caótico de los mayores. Sin embargo, en Moonrise Kingdom este hecho, es más gratificante que en anteriores films. Por eso, este film se torna el más completo de su carrera.

La película se descarga en toda su fuerza en sus jóvenes intérpretes Jared Gilman y Kara Hayward, en una especie de Romeo y Julieta campestres. Con intereses cercanos a los adultos pero con explosiones simpáticas de infantilismo.
Ahora sí, el director tejano se sabe acompañar de un cuadro de secundarios de lujo, formando una familia muy especial (como ocurre en la mayoría de sus films). Un mundo adulto que, en ocasiones, se infantiliza más que los propios niños, cambiando sus papeles en los distintos contextos de la historia.
Es como un retrato o una acuerela infantilizada de sus propias debilidades.

Moonrise Kingdom como buen cuadro, se representa y desdobla sus mundos oníricos en su paleta de colores pastel. Cada tonalidad deviene con distintos estados de ánimo del lenguaje fílmico. Decora el ánimo de los personajes, y enfatiza la alegría o la tristeza, dibuja la épica de los cuentos y novelas juveniles de aventuras.

Por eso, utiliza sus gamas de grises y azulados fríos. Es el énfasis de los momentos desbordados por la melancolía, por tanto, los individuos (niños o mayores) se vuelven cenicientos con los ambientes amenazadores. Los gris-azulados manejan los resortes nostálgicos de los recuerdos de infancia y de las aptitudes amenazantes del mundo adulto. Aquí se embarcan los sentimientos recargados de traición y desamor como auténticos resortes del fracaso.
También reflejan los elementos tradicionales de la educación. Cuando los adultos insuflan los valores a los niños, convirtiendo la aventura y la libertad imaginativa de sus mentes en reglas y obligaciones.
Niño esto es así... y punto.

Los tonos ocres, amarillos y anaranjados. Son los cálidos del caleidoscopio "andersiano" que transmiten la ternura, el amor y el humor infantil. Son los cuentos pintados a mano por campos y aventuras de antaño. Sus personajes, ahí dibujados, se dan la mano con las obras de huérfanos aventureros, Tom Sawyer y Huckleberry Finn (pintados en riberas del Mississippi por Mark Twain), de los cuentos clásicos de los hermanos Grimm y Hans Christian Andersen o del dulce salvajismo de Charles Perrault (dónde los animales tienen comportamientos humanos como en el caso de Fantastic Mr. Fox).
Los niños se entregan al amor y la amistad, luchan contra la injustica y sus miedos. Y en los momentos felices, los tonos se aproximan al sentimiento y a las risas, los colores tierra crean un ambiente relajado casi festivo, como un picnic en la montaña, aflorando los recuerdos de juegos antiguos, de canciones vitales y del amor sin complejos. Niños jugando a ser adultos en mundos literarios y cinematográficos, como Rob Reiner manejando a sus jóvenes aventureros. Pero, eso tendrá que esperar a otra ocasión.

El mundo de los mayores se desdibuja.
A veces, son drámaticos colores, otras se vuelven más infantiles que los propios jóvenes. Pataleta y errores cometidos por un plantel magnífico donde se pasean nombres como Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Bob Balaban o Harvey Keitel... Y a esto no se puede decir más. Así cualquiera.
Cuando descubrimos en la pantalla a alguno de ellos, se reconoce y se desgusta de su trabajo al momento. Sus personajes secundarios se tornan imprescindibles, y se convierten con sus celebradas apariciones en absolutos protagonistas de la secuencia.
Su cuadro es más obscuro por lo general. Son los seres perdidos e incluso fracasados, aplastados por los subterfugios de las apariencias sociales y la obligaciones.

Con Wes Anderson, me siento en un tobogán, con momentos de máxima complicidad.
Otras veces, me arratro por el frío descenso esperando un golpe que me saque de su ensoñación personal. Esto ocurre cuando algunas decisiones tomadas por importantes, se dan como pinceladas, y se vuelven a corregir encima, una sobre otra indefinidamente.

Sin embargo, Moonrise Kingdom me ha parecido su obra más interesante hasta el momento.
Porqué la luna siempre aparece por el horizonte para todos y nos vuelve un poco lunáticos y nostálgicos de épocas mejores.
Y además, saca mis preferencias pictóricas y musicales. ¡Qué no es poco!

*** Notable ***

Antes de participar en el nuevo trabajo de Wes Anderson, el gran Bill Murray llegará a la gran pantalla con Hyde Park on Hundson, de Roger Michell. Reparto: Olivia Williams, Laura Linney, Olivia Colman, Samuel West. Trailer:


Tilda Swinton, que voy a decir de ella, protagonizará próximas películas de Terry Gilliam y Jim Jarmush. Palabras mayores. Mientras tanto os dejo con este extraño proyecto Phantasmagoria The Visions of Lewis Carroll, dirigido por Marilyn Manson. Reparto: Marilyn Manson, Lily Cole, Tilda Swinton, Evan Rachel Wood. Trailer:

Argo: Yo soy Ben Affleck, director de cine.

De Persépolis a Teherán.

¡Qué bonita y buena película es Persépolis!
Interesante visionarla junto a esta Argo. Pero bueno, ese es otro film del que comentaré algo en otra ocasión. Comenzaré mi historia.

Un chico de Berkeley en California. Con ascendencia inglesa, irlandesa-escocesa y alemana, seguramente por motivos de trabajo de sus padres tuvo que ir a vivir lejos, cruzando el país hasta la norteña Massachusetts, un cambio considerable en los hábitos de vida para la familia.
Su padre un consejero sobre drogas, y con otros oficios más manuales, se centró en su carrera de escritor y acepta el nombramiento de actor y director en la compañia de teatro de Boston. Habitarían en una ciudad cercana llamada Cambridge.
Cambios.

El joven Ben Affleck junto a su hermano pequeño y talentoso actor Casey, se rodeaban de amigos y revolotean en movimientos artísticos, y conocieron a su primo lejano de nombre Matt Damon.
Existía una diferencia con la labor de maestra de su madre y la educación religiosa recibida. Así, desconozco los motivos (no vienen a cuento) se verían avocados al siempre triste divorcio de sus padres.

Sin embargo, Ben ya había participado unos años antes como actor infantil en alguna película y en series de Tv.
Después, y tal vez debido a la separación conyugal, se trasladaría a México durante una año y aprendería el español. A la vuelta, todo cambiaría y empezaría a relacionarse con ambientes más cinematográficos.
Aunque durante su etapa universitaria en Vermont, tuviera sus intereses en estudios relacionados con Oriente Medio, que no serían terminados por tener sus miras de futuro en el cine. Ben Affleck quería ser actor y Hollywood le llamaba a voz en grito.

Vista ahora, cuando Ben Affleck lleva ya bastantes años en la interpretación y ha comenzado su incipiente pero firme apuesta en la dirección de películas, podemos decir, que lleva una carrera con camino ascendente.
Además, parece que sus estudios universitarios le han servido para realizar Argo.
Sin duda esa preparación inacabada le capacitó con ideas para adentrarse en la historia de la crisis de los rehenes y el asalto a la embajada de EEUU en Teherán.
En pleno periodo de radicalización ante el protectorado al antiguo Sha y su familia, el film nos refleja una realidad oculta en ficheros hace algunos años desclasificados. Un Irán revolucionario por un periodo de 444 días que comenzaría en 1979.

Argo es una película compleja en realización, pero sabiamente eleborada por el actor-director, compartiendo ambas funciones a la perfección.
Y no es casualidad su nivel, pues se trata de su tercer largometraje acertado.

Si bien, la mayoría de espectadores conocen ese episodio trágico de un Irán malherido por las antiguas represiones y dispuesto a la venganza, también no es menos cierto que un servidor desconocía los mecanismos ocultos y poco estudiados de los pasos relacionados en el film.
La aparición en escena del agente de expatriación Tony Méndez (interpretado con acierto por el propio Affleck) y su curioso método, ha sido un motivo de celebración cinéfila personal. Gracias a un actor-director, anteriormente, maltratado por mí en críticas otrora justificadas.
Gracias Ben.

La carrera que comenzó ese niño, luego refrendada en el film Colegio Privado, junto a su amigo Matt Damon, Chis O´Donnell y Brendan Frasier, está dando sus dulces frutos ahora. Aunque, antes celebrabamos ya sus aparciones en los filmes de otro amigo y favorito, Kevin Smith (Mallrats, Persiguiendo a Amy, y otras algo menos interesantes).
Echando la vista atrás, me trago mis palabras y mis dudas sobre él. Adiós pequeña adiós, The Town y esta Argo, son algo más que un principio prometedor. Profiero un aplauso caluroso a, sobre todo, esta última cinta.

Argo tiene un elenco de secundarios magnífico, encabezados por dos auténticos lujazos, Alan Arkin y John Goodman. Sus momentos son un ingrediente más para esta historia con retazos de los intereses de juventud de Ben Affleck, a saber: aprendizaje sobre materias relacionadas con Oriente Medio, el maravilloso mundo de Hollywood y sus estudios cinematográficos, el humor de Kevin Smith, la acidez de Ben, la visión de la realidad mezclada con la fantasía, la dramatización de hechos históricos y culturales, y por tanto, las películas de ciencia-ficción.

Al final Argo va a ser ... una película.
Así, una película notable de Ben Affleck. Bien medida por é. Entre sus apariciones estelares como protagonista y su elaboración planificada como realizador, sin que se vea en pantalla interferencia entre la doble ejecución del rodaje.

Ben Affleck me empiezas a caer mejor. Jaja. Además, me he enterado que juegas al póker y eres fan de los Celtics de Boston.
Justo como yo. :)

**** Notable ****

Argo (Argo - Alexandre Desplat)

Argo Soundtrack - Cleared Iranian Airspace (Alexandre Desplat)

Hasta su nuevo film como director de titulo Live by Night, reparto: Sienna Miller, Zoe Saldana, Ben Affleck, Elle Fanning.

En campaña todo vale: Ferrell o Galifianakis.

Juego sucio en política... normal.

El mundo está desquiciado, España más todavía. En plenas campañas políticas en Estados Unidos y en comunidades autonómicas españolas e históricas, nos llega la cinta En Campaña todo vale, echando con su ácida batalla más leña al fuego.
No todo vale, para hacerse con votos, desde luego. Ni para ir al cine.

Realmente no sé, si soy yo o el humor de Jay Roach (ya que con Austin Powers tuve algunos ataques de risa), pero está película no me ha hecho la menor gracia.
Nos trata a los espectadores como niños abofeteados sin compasión.
De acuerdo que los dos protagonistas están agotando poco a poco, mi interés por el humor americano basado en gags relacionados con el sexo y los usos y costumbres de humanos en momentos corporales de evasión de fluidos.

Will Ferrel sigue pareciéndome un humorista con poco atractivo para los europeos (pero recordando que está en películas como Más extraño que la ficción, de
>Marc Forster), y Zach Galifianakis (a pesar de sus dos incursiones y otra nueva en perspectiva de resacones) me produce un efecto extraño en The Compaign (En campaña todo vale) como un cierto hartazgo de su humor.
Cada vez, que veo a
>Galifianakis, más joven y con ese look, se me asemeja al ex-político y periodista español,
>Luis Herrero. No me concentro. Curioso y desconcertante.

Vale que estamos actualmente (y cuando no) en un estadío de crisis galopante.
Que las opciones políticas que nos ofrecen para salir del estado catártico, no son lo suficientemente atractivas para renovar nuestras sociedades.
Y por supuesto, que la única forma de encontrar un trabajo en el futuro será convertirnos en exclavos legalmente empapelados, dedicados en exclusiva a las empresas que dominarán nuestras vidas y familias.
Aquellos que lo encuentren, claro.

Nos encontramos con unas elecciones al senado del estado de
>Carolina del Norte, con dos candidatos que parecen ser bastante distintos, pero originariamente tienen semejantes ideologías. Realmente poco atractiva la situación.
Aunque con ciertos gags corrosivos, los protagonistas se desarman como dos púgiles en un ring de barro. A base de golpes bajos por debajo de la cintura, casi todos, nada tiene impunidad de crítica en este film.
Sin embargo, la crítica queda flotando en el aire como un tufillo.

Desde luego, las empresas dirigen el cotarro de economía y la sociedad de todos los países, y en ellas se apoyan los políticos para producir beneficios.
Hasta aquí todo normal, pero, en ningún momento se moja en
sacando a la luz, los hábitos depredadores de aquellos hombres o empresarios, que dedicaron todo su esfuerzo a aumentar sus desmesuradas carteras.
Y el uso de todo tipo de medios fraudulentos.

La película cambia este fraude de la corrupción moderna y pone en su lugar a dos parias para que nos riamos de ellos.
Dos niños grandes, peleándose por unos abrazos (de ahí el apellido de Marty Huggins) y dineros públicos o privados, y emparentados por un columpio infantil.

Sea como sea, la historia o guión, me parece demasiado plano.
Los actores no me apasionan lo más mínimo.
Y la situación actual, merecería un poco más de respeto al espectador que se deja bastantes euros en acudir al cine.
Por último, la crisis en la que estamos sumergidos y multitud de gente pasándolo mal, merecerían menos risas sobre "hombres poderosos" haciendo de cromañones supuestamente simpáticos, y ofrecerles más esperanzas para salir adelante.

Seguramente, un humor fino e inteligente que les hicieran pasar un buen rato bastaría.
Habrá que esperar a próximas comedias y pedir un voto de confianza a Hollywood.

* Mala *

She Monkeys, Livstid: Suecia. Taped: Holanda.

3 thrillers de calidad europea en Suecia y Holanda.

Una de equilibrios suecos...

Dragón a la mejor película en el Festival de Gotemburgo.

Si os preguntáis que tipo de película puede ser ésta. Una sueca intimista sobre la amistad y el amor femenino, con directora novel llamada Lisa Aschan, cuyas protagonistas son normalmente desconocidas por otras latitudes más soleadas y con pocos trabajos aún a sus espaldas y cabelleras doradas.

También puedes cuestionarte, si te puede llegar a interesar un film en un marco de lo más inhabitual en el cine. (Aunque el circo ha sido tratado en una cuántas ocasiones). Pues, She Monkeys tiene bastante de equilibrio desequilibrado, una relación fría entre adolescentes. Pero, con un interés en aumento al transcurso de la historia.
No se trata de equilibrios en la pista circense, más bien una competición voraz y pasional en un territorio tan lejano como el "deporte" ecuestre.

Sin embargo, no se trata de un recorrido ecuestre, ni saltos de equitación, donde caballo y jinete corren contra el tiempo o intentan solventar los obstáculos al trote. En She Monkeys el duelo se establece en la pista y en el corazón.
Un duelo a lomos de un caballo, de pie. Sentaditas sería otra película, ésta requiere de fuerza y equilibrio. Más cercana a la gimnasia circense.
Aquí predomina la metodología, el trabajo sincronizado y la regia disciplina.

Aunque existe una relación predominante en la pista, el guión se mueve por los terrenos más cinematográficos del thriller. Un contemplativo y mágico duelo. El Rimpling se quedaba hasta pequeño con la pasión que demuestra esta pequeña película, pero sólo en el presupuesto.
Existe un jurado para puntuar las pruebas de equitación, pero también lo hay al otro lado de la pantalla, porque la directora Lisa Aschan, nos hace participes de juzgar la relación que se establece. Amor o celos.

Sus jóvenes protagonistas Mathilda Paradeiser y Linda Molin, trasladarán la lucha física a los terrenos más competitivos del amor. Un pequeño coso arenero será el recinto de lucha de gladiadoras enamoradas.
Como ánodo y cátodo, que se necesitan para vivir mas se repelen por alguno de los dos polos defectuosos. Una lucha de cisnes a caballo.
Cuando el corazón no marca los pasos de la cabeza, se produce un debate interno e individual con el resto de órganos del cuerpo. Despertar sexual que no se reconoce como propio. Es un acercamiento cuasi reverencial a la figura mitificada, áquella que representa los sueños y el éxito profesional.

Ambas jóvenes son muy distintas, pero representan igualmente el esfuerzo, los celos y el amor o el odio.
En estas batallas encarnizadas por el corazón, la mayoría de las veces, hay uno que acaba de derrotado por los sentimientos. Las arenas de los fosos están plagadas de cadáveres por la ley inmortal del hombre. El desamor.

Todo ello se desarrolla en espacios bastante claustrofóbicos en su mayoría, con pequeñas salidas naturales a los exteriores de esta pequeña escuela hípica de >Gothenburg, (en la región de Västra Götalands län).

En She Monkeys por tanto, existen ganadores y vencidos.
Aunque esta vez no corra la sangre. Sí se produce una derrota. Y aunque las profundas heridas no sean causadas por tridentes o espadas, las gladiadoras elásticas se llevan los golpes en lo profundo de su ser.

El desamor es una pequeña muerte que se perpetua en vida.
Éramos tan jóvenes...

**** Notable ****

Livstid o Lifetime.

Curioso e interesantísimo thriller policiaco de la siempre bien realizada filmografía sueca. Producción bien acabada y con interpretaciones más que correctas.
Un film policiaco que se sumerge en dos situaciones de crisis, en dos personajes diferentes, pero muy reconocibles en los casos de investigación delictiva. Sin embargo, en esta ocasión éstos, tienen la particularidad de recaer en dos mujeres. Mujeres de fortaleza y convicción.

Su director Ulf Kvensler, es además, guionista y actor en otros films, rueda una historia bifurcada en dos protagonistas femeninas, una policía y una periodista.

Por una lado, en Livstid (Lifetime) se persigue la resolución de un homicidio con distintas vertientes por las que deriva la historia.
Una policía de patrulla se mueve dentro de unos parámetros de machismo y compañerismo desconcertantes. Un equipo donde todos los individuos, se mueven por sus intereses particulares en los momentos de crisis. Así, en un grupo que no conserva la confianza total en sus distintos miembros, los obstáculos que emergen en la convivencia desbaratan las posibilidades de triunfo sobre los criminales.

Esta parte de Livstid, que podría convertirse en la más favorable para el espectador, se va convirtiendo en tópica y distantemente fría. La profusión de estereotipos dibujados de la mayoría de policiacos. Sin embargo, esto no es óbice para seguir la trama con gusto y un nexo acertado con la segunda protagonista.

El realismo periodístico es el primer factor de acercamiento a esta fase de la investigación. El periodismo al cabo de la calle en busca de la noticia y los rastros del crimen.
Una mujer lo hace más atractivo, y no sólo por la belleza de la actriz Malin Crépin (puede llamar la atención de otros directores de mercados más extensos), sus otros atributos son su actuación convincente y atrayente a lo Ingrid Bergman.
El hecho de recaer la investigación en manos de un personaje femenino y fuerte, periodista de sucesos, separada y con hijos, en pleno proceso de reencontrarse con ella misma, le dan a Livstid un toque diferencial con otros thrillers.

La investigación se mueve por dos procesos paralelos y femeninos, por tanto, ambos convergen en dibujar dos tipos de mujer, que avanza hacia la resolución final del caso. Consigue atrapar al público por el camino del realismo.

*** Buena ***

Taped m: De "vacaciones" por Argentina.

Otro thriller, esta vez desde la perspectiva holandesa del director Diederik Van Rooijen. Aunque los personajes o mejor dicho el matrimonio protagonista son de dicha nacionalidad, existe otra visión latina. Ya que el film Taped, está rodado plenamente en Buenos Aires.

Un viaje vacacional, más bien atribuido a unas bodas aniversario de los personajes interpretados por Barry Atsma y Susan Visser, totalmente portadores del estandarte protagónico del film. Ambos intentan arreglar sus desavenencias comunes y mantener la relación por amor a su hijo.

Al principio esta pareja pareciera disfrutar y visitar los lugares en que otras circunstancias les hicieron inmensamente felices. Pero, el idealismo se transformará en un espejismo del pasado.
Su relación parece empezar a hacer aguas por la línea de flotación. El amor.
Así, los lugares felices y comunes, idealizados se muestran como amenazantes en la soledad de las conversaciones y los reproches. Y las vacaciones se convierten en un intento último de salvaguardar el matrimonio.

Sin embargo, lo que mal empieza mal acaba. ¿O no?
Las desavenencias serán demasiado dolorosas. Las mentiras y el engaño se vuelven protagonistas desbancando al amor. La familia se resiente a causa de los celos y la dejación. El naufragio de la relación en el futuro es evidente.

En esos momentos, cuando todo se convierte en una pesadumbre y se observa el futuro con una capa negruzca como una noche "argentina", todo puede cambiar.
La noche argentina se puede convertir en color rojo sangre, y el azar te puede llevar a un infierno extraño y peligroso.

Taped es un thriller sorprendente, vivo y real, como una pesadilla de viaje vacacional.

*** Buena ***

Babycall (Noruega v.o.), de Pål Sletaune. Reparto: Noomi Rapace, Kristoffer Joner, Vetle Qvenild Werring.

Trailer The Devil's Double (Alemania), de Lee Tamahori. Reparto: Dominic Cooper, Ludivine Sagnier.

Film noruego Sykt Lykkelig (Happy, Happy), en español titulado como Siempre feliz. Dirigido por Anne Sewitsky, premio del Jurado en Sundance. Ganadora mejor película festival de Sevilla. Subtítulos inglés.

Otra película noruega, Headhunters es un thriller dirigido por Morten Tyldum. 

La Princesa de Montpensier: Católicos vs. Hugonotes

Tavernier, Lambert y Mélanie. En manos de la religión y el amor.

En un lugar de Francia, de cuyo nombre no quiero acordarme... No ha que vivía un hidalgo, de los de lanza en astillero, adarga antigua... Botas de cuero, calzones abombachados estilo s.XVI, casaca tocada con sombrero calado hasta las cejas; y todo ello muy negruzco.

En esta época, las guerras cruentas por los estados religiosos están en máximo apogeo (hay algo más ridículo que matar o morir por un Dios). Por ellas, en el país de la Galia, los cristianos y los hugonotes se pasaban la fe, por el filo de la espada o florete.
Todo guerrero se encuentra de maravilla, a sus anchas entre sangre y cadáveres sediento de venganza, hasta que una mala y condenada puñalada atraviesa su corazón, y todo será ya distinto.
Hay veces que debemos bajar la guardia, para no caer en pecados irresolubles.

Entonces, ese killer-guerrero se convierte por arte del subsconciente en un verdadero caballero de la Triste Figura. Con su alma ennegrecida por los horrores, al igual que su vestimenta salpicada de barro y gotas de sangre.
Sin embargo, aquellos luchadores procedentes de nobles familias (en muchos casos) poseían una educación fina e ilustrada en muy diferentes materias y artes.

Un guerrero mancillado por la fatalidad, será cambiado de héroe a fugitivo. Perseguido por desertor, de fiero perro de caza a pacífica liebre. Herido en su cuerpo y en su alma, el corazón le pide su cuota de amor propio en su destierro intelectual.
Se convierte en profesor de las ciencias naturales y de las letras, escritor de sueños viajando por el universo inalcanzable. Soñando con el amor.

Cuando una joven alumna llama su atención y le advierte que el universo puede estar al alcance de la mano, sentado a su lado. La princesa de Montpensier no sólo enamora al caballero, yo como espectador quedo cautivado por su belleza.
Y es que Mélanie Thierry es una mujer que cuativa con su mirada.
El resultado de juntar a Mélanie con Lambert Wilson, en principio parece algo disparatado por su diferencia de edades, pero es soportado por el enamoramiento que parece más, por la atracción de dos mentalidades, unidas por el aprendizaje.

Bien, resulta que la película La Princesa de Montpensier dirigida por el veterano director francés Bertrand Tavernier, no ha recibido demasiadas críticas muy favorables. En general, a mí me cautivó lo suficiente la historia (basada en la novela de la Condesa de la Fayette, Marie-Madelaine Piochet de la Vergne en 1662).
Aunque si existen algunos fallos guionizados que resultan algo descabalgados del resto, pero el film mantiene el pulso de interés hasta su fase final.

La historia nos cuenta que en 1562, bajo el reinado de Carlos IX, las guerras de religión entre católicos y protestantes (hugonotes) causan estragos en Francia.
Las batallas sin ser nada del otro mundo, se ven con aceptación del presupuesto, siendo mucho más interesantes las luchas internas de palacio.
Así mismo, existe una tetralogía amorosa que complace a las damas (espectadoras ávidas de placeres carnales y cardiacos). La princesa asustada en un principio, soltará su rubia cabellera al viento de los vaivenes emocionales, en un juego de divertida complacencia. Hasta que el juego se convierte en un elemento mortífero, peligroso y descorazonador.

La Historia, después de la película:

En 1685, Luis XIV de Francia el Rey Sol, decide revocar el Edicto de Nantes y reiniciar el exterminio sistemático de los franceses protestantes, utilizando entre otras iniciativas, el Batallón especial, un grupo de soldados dedicados exclusivamente a la tarea de represaliar a protestantes.

Según el artículo «Refugiado» de la Enciclopedia, se encuentra esta cita:
"Luis XIV, al perseguir a los protestantes, ha privado a su reino de más de un millón de hombres trabajadores" (artículo que, se supone, escribió Voltaire).
La fe y la religión, una vez más, consigue desnivelar el valor de los hombres y mujeres.

Algunos hugonotes huirían a los Países Bajos, Suiza, Inglaterra y a diversas ciudades evangélicas alemanas, como Kassel, Erlangen y Berlín, o Prusia.
Muchos se acomodarían en las colonias británicas de El Cabo y la América británica y comenzarando una sistemática colonización de las nuevas tierras, cuyos descendientes contribuyeron a la fundación de naciones modernas como Sudáfrica y los Estados Unidos de América.
Aquellos que conservaron su vida en Francia fueron perseguidos hasta mediados del siglo XVIII.

Las cuevas situadas al sur francés, donde se refugiaron esos predicadores protestantes se denominaron «cuevas de los hugonotes», usadas para evitar la detención.
Las libertades básicas de los hugonotes en Francia, incluyendo el reconocimiento legal de sus matrimonios, de sus alianzas familiares, fueron admitidas nuevamente por el Estado francés en 1802.

A mediados del siglo XVIII, los hugonotes se dividieron por causa del liberalismo, pero en 1905 (25 de octubre) fueron capaces de organizar la Federación Protestante de Francia (en francés Fédération Protestante de France) para «defender los intereses protestantes» en el contexto de un Estado laico y coordinar los esfuerzos de evangelización.

Fin de esta historia:

*** Buena ***

Holy Motors, de Leos Carax. Reparto: Denis Lavant, Edith Scob, Kylie Minogue, Michel Piccoli, Eva Mendes, Jean-François Balmer, Big John, François Rimbau, Karl Hoffmeister.

Por último, el nuevo film de François Ozon, En la casa (Dans la maison). Reparto: Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Fabrice Luchini y Diana Stewart. Trailer:

El Fraude (Arbitrage): Richard Gere y la mentira.

La vida no es lo que parece.

La mentira se ha instalado cómodamente en todas los rangos de la vida.
El periodismo con grandes programas de televisión, en los que se miente metódicamente.
Grandes empresarios y políticos que malgastan y toman caminos poco edificantes.
El deporte con élites y seguidores de equipos, unos engañando con teatros y productos prohibidos, y otros mirando sus intereses determinados negando la realidad. Etc, etc...

En Cinecomio siempre hemos tenido una relación de estimación o desgana, con el protagonista principal del film Arbitrage (en español El Fraude).

Richard Gere ha tenido papeles importantísimos en su carrera cinematográfica, con los cuales siempre será recordado y realizando buenos trabajos. En cambio, se han producido en muchas ocasiones (quizás demasiadas) otros papeles que le marcan con cierta falsedad.
No me estoy refiriendo a la honestidad del actor por supuesto. Y es que, las lágrimas de Gere no siempre han sido trigo fino. Es decir, no las hemos creído en diversas ocasiones.
Por lo demás, todo muy respetable. Para un actor que en 1978 comenzaría con buen pie al lado de Terrence Malick en Days of Heaven.

En Arbitrage un director con un apellido que intenta engañarnos respecto a su ciudad natal, se llama Nicholas Jarecki (Nueva York).
Este realiza una exhaustiva torre de Babel de la mentira. Una escalada que nos lleva a todos los ámbitos del ser humano, en sus relaciones económicas, familiares y de pareja, amistades... En una espiral que nos demuestra que caer en el abismo de la falsedad y el robo, puede ser atractivo por que el poder del dinero te puede hacer salir sin una pena que corresponda al delito cometido.

Para ser una película sobre las mentiras, es infinitamente real.
El novel director americano, también guionista de esta notable cinta, abarca con un paso firme y ciertamente crítico, el mundo de los poderosos desde distintos puntos de vista.
Richard Gere hace un papel que reconcilia a algunos críticos recalcitrantes. Demostrando que los guiones de carácter ácido y desafiante, le vienen como una segunda piel a la medida. Su rostro no engaña en esta ocasión, se siente cómodo en estos caminos transitando por el elitista mundo del poder y la ambición.

En un segundo plano, pero no menos interesante, se encuentran las mujeres en este eslabón del fraude al público, que no a su inteligencia.
Ellas toman decisiones que marcarán el futuro de Richard en el film. Engañadas y de peligrosas consecuencias.
Susan Sarandon es su esposa. Yo no he visto, casi ninguna película en la que no esté bien esta estupenda actriz.
Laeticia Casta es bella y no está dispuesta al engaño, pero lo consiente por amor o deseos de escalar socialmente.
Y por último, la hija interpretada por Brit Marling (Another Earth), para mí es un nuevo rostro y un descubrimiento. No tiene una belleza racial ni llama la atención en exceso, pero tiene un inequívoco valor en sus dotes, el trabajo bien hecho y el convincente manejo de la expresividad y su pasión por el cine.

Por último, investigando y corrompiendo toda la trama como sólo él lo sabe hacer, está Tim Roth (Reservoir Dogs, Pulp Fiction...), sería bueno que su carrera volviera por estos parámetros ya que sus registros pueden ser tan variados como su calidad interpretativa lo permite.

En un mundo que se mueve por los caminos del engaño, con anuncios publicitarios que tratan de mostrar los parangones del consumismo. Donde las relaciones personales derivan en movimientos interesados por la estabilidad social y económica. Cuando las leyes que nos protegen no son nada más que meras tapaderas del tufillo de las ideologías. Porque el timo, el fraude y la banalidad de los actos, nos lleva a una espiral de corrupción que salpica a muchos estamentos en los distintos países.

Por lo tanto, Arbitrage es un destacado estreno, de actualidad y muy apetecible. Con interpretaciones enérgicas y unos diálogos que engrandecen el resultado.
Sin mentiras.
En la vida nada es lo que parece, ya que si escarbamos la superficie, aflorarán valores como la envidia, los celos, o inclusive, el odio.
Las consecuencias que producen a nuestro alrededor pueden provocar reacciones diversas como el miedo, la impotencia, y por supuesto, la venganza.

Si Uds. son de los que mienten... se sentirán como pez en el agua.
Si por todos estos motivos, les repatea la falsedad y reniegan de los vividores y tramposos, también se sentirán a las mil maravillas.
Así, podemos decir que Arbitrage es una película para todos los públicos, racionalmente hablando que no por edades.

*** Notable ***

Películas recomendadas con ... Richard Gere:

Days of Heaven (Terrence Malick, Notable)
Yanquis (John Schlesinger, Buena)
Cotton Club (Francis Ford Coppola, Notable)
Poder (Sidney Lumet, Interesante)
Más allá de la ambición (Gary Sinise, Interesante)
Asuntos Sucios (Mike Figgis, Buena)
Rapsodia en Agosto (Akira Kurosawa, Muy Buena)
Primal Fear (Gregory Hoblit, Buena)
La Gran Estafa-The Hoax (Lasse Halström, Buena)
Los amos de Brooklyn (Antoine Fuqua, Interesante)
... además Oficial y Caballero, y Pretty Woman (Pasables)


The Perks of Being a Wallflower (Las ventajas de ser un marginado), de Stephen Chbosky. Reparto: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Mae Whitman, Kate Walsh, Dylan McDermott, Melanie Lynskey, Nina Dobrev, Johnny Simmons, Joan Cusack, Paul Rudd, Nicholas Braun, Reece Thompson, Julia Garner, Tom Savini. Trailer:

Killing Bono: U2 dreams.

El sueño musical, de su pesadilla.

Stephen Warbeck Official soundtrack. The Beginning.


Justamente unos años antes de que en España se produjera la aparición del movimiento cultural y musical de la movida, en su ciudad natal Dublín (Irlanda del Norte), un grupo de estudiantes en el colegio Mount Temple Comprehensive se avalanzaban a una carrera que arrasaría por todo el mundo.

En 1978, estos jóvenes encabezados por un batería se propusieron formar una de las bandas más conocidas en el planeta.
Serían algunos pocos años después, cuando U2 quedaría conformado con sus componentes actuales: Bono (Paul David Hewson), The Edge (Dave Evans), Adam Clayton y Larry Mullen.
De su primer nombre establecido en 1977, The Hype, fueron quedando aparcados en la cuneta los deseos de triunfar de otros jóvenes compañeros de la banda. Así, se produciría un proceso de formación que dejaría otros nombres por el camino. Entre ellos, los hermanos McCormick (establecieron la fórmula de la separación y establecerse por su cuenta en el grupo Shook Up!.
Los deseos más bien sueños de transformarse en una banda universal, estaba en el subconsciente de todos ellos. Sin embargo, la irrupción en 1983 de U2 en el mercado discográfico y la enorme personalidad de Bono, conformó una rivalidad entre ellos. Ahora, contada con detalle en el film del británico Nick Hamm (director de The Hole y presidente de la Royal Shakespeare Company en los años ochenta).

En 1980 y tras conseguir el éxito en Irlanda, U2 se propuso conquistar las islas británicas y ficharían por Island Records. Un contrato de la mano del promotor Paul McGuinnes.
En esos momentos, tenían las mismas oportunidades que cualquier otro grupo de España, de salir de su tierra y hacerse conocidos y respetados universalmente. Indudablemente, esos jóvenes se habían hecho a sí mismos.

Al principio Bono (convincente interpretación por parte de Martin McCann) y los demás componentes tenían unas limitaciones musicales que fueron puliendo, hasta conseguir su sonido archiconocido en el rock británico e irlandés. En España, más concretamente, Madrid y su movida ochentera ocurrirían casos semejantes, con distinta repercusión mundial. Diferencias idiomáticas.
Por ello muchos músicos de la generación fueron concebidos por generación espontánea y ganas de triunfar en la música. Deseos de traspasar fronteras y pasárselo bien, sobre todo.

A veces, para que concurran unas situaciones determinadas como que la banda U2 se transformara en una corriente imparable, se tienen que dejar por el camino ciertas cargas que no molestias. Esos serían Neil McCormick (interpretado por Ben Barnes) y su hermano Ivan (Robert Sheehan). Aparcarían el triunfo de las grandes masas, pero nunca se apearon de sus sueños. A pesar, de los disgustos y cabezonerías por mirarse en el espejo del mega grupo.

El director de Killing Bono, Nick Hamm, recrea un entorno divertido en tono de comedia a sus inicios. U2 y el rock cardado acústico se apoderan de los primeros minutos de la cinta, otorgando un estilo ágil e interesante.
Los sueños y ganas de darse a conocer, de todos ellos, en tono ligero y edulcorado se trasladarían a unas reticencias ocultas, donde la testarudez y los celos, hacen caer una y otra vez en decisiones que marcaran nuestras vidas futuras y de aquellos que nos rodean.

Shook Up batallaría por el mismo espacio vital y con acordes de un rock instrumental y divertido. En cambio, U2 saldrían triunfantes (sin lugar a duda por el peso potencial de sus letras y su carisma) y se relanzarían en USA y el mercado oriental, con su maquinaria gigantesca en el álbum The Joshua Three (1987).
Habían pasado 10 años y las relaciones entre los dos grupos divergían, por motivos de compatibilidad y, claro está, la concreción de sus diversas personalidades.



Los hermanos McCormick se quedan sin sus ínfulas de éxito universal.
Killing Bono, está basada en el libro autobiográfico del propio Neil McCormick.
Posteriormente, Neil se establecería como crítico musical de prestigio en The Telegraph, y su fama se agranda por la relación con U2 y sus privilegios en eventos.
Mi opinión personal de este interesante film es, que el aspecto visual es óptimo. Pero, por parte del guión encuentro algunas edulcoraciones en los agravios de los personajes y una visión algo idealizada del mundo del rock. Si echamos a faltar algo del lado cínico y salvaje, falta una escala de acordes que dibujen ese estado y forma de ser rockero. La marginalidad fuera del éxito.

Esta imagen, la podía haber medido exponencialmente el propio Bono.
Mas la opinión y lucha por los intereses de la banda U2 quedan marginalmente recogidos en la película. Aunque, se agradece su presencia en brillantes ocasiones.
Al final, queda un poso de la inabarcable imagen de una estrella del rock y su endiosada perspectiva de la vida.
El éxito del dinero.

*** Buena ***

Dentro de un mes se estrena en España, el nuevo trabajo del británico Danny Boyle, con el título Trance. Reparto: James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson, Tuppence Middleton, Danny Sapani, Wahab Sheikh. 

Tráiler v.o. A Song for Marion, de Paul Andrew Williams. Reparto: Vanessa Redgrave, Terence Stamp, Gemma Arterton, Christopher Eccleston. (Sin fecha de estreno en España).


Trailer Bel Ami, de Nick Ormerod y Declan Donnellan. Reparto: Robert Pattinson, Christina Ricci, Uma Thurman, Kristin Scott Thomas.

Jiro: Dreams of Sushi. El Espíritu del Shokurin.

Los cinco niveles del alma: 1º Autodisciplina.

Este maravilloso documental, no sólo trata del cercano y aromático sabor del mar, es decir, del sushi.
El formato occidental de la realización no oculta esa forma de ser del hombre oriental, dónde el peso de la tradición invade la vida personal del personaje. Es una manera de ver la cocina y una paseo por las inquietudes de un prestigioso maestro, Jiro Ono. Su imagen nos muestra la sencillez y calidad humana de este honorable chef de 85 años, cuya mayor obsesión ha sido la perseverancia de las cosas bien hechas, como método para conseguir la excelencia.

La perseverancia y la autodisciplina intentar alcanzar la perfección, pero como el dice, aún me queda mucho por aprender. Siempre mirando al futuro.
Una metodología que necesita rodearse de una gran equipo de alumnos, en los que sus dos hijos tomaron parte, de sus habilidosos conocimiento con la elaboración del sushi.
La innovación tratando de mezclarse con la tradición, para seguir día a día, ganándose el respeto y la admiración de los especialistas y el público.
Sus conocimientos estarán a salvo con su primogénito Yoshikazu Ono, que ha alcanzado a su padre en la preparación de su comida, con productos siempre de la primera calidad.

Yo no soy ningun entendido en la cocina japonesa y el sushi, pero en Jiro Dreams of Sushi, podemos dejarnos acariciar por piezas clásicas de la música de Mozart o Tchaikovski , del pianista-compositor Philip Glass o Max Richter. Cosa de muy agradecer por parte de su director, David Gleb y Magnolia Productions.
Además, es un guiño a aquellos que sufrieron en sus infancias, y la lucha por alcanzar, primero una forma de subsistencia y segundo, perfeccionarnos en la labor a la que nos dedicamos y amamos.
Philip Glass. B.s.o.

Si existe un exceso de dedicación en Jiro, el documental profundiza en el sentimiento familiar y las relaciones casi inexistentes en los principios del negocio. Ahora, en la actualidad totalmente necesarias entre su familia y los clientes. Un cliente agradecido por el servicio y el trato, se hará un fiel seguidor.
A través de los ojos de sus dos hijos, Jiro ve, la posteridad de sus enseñanzas. La consevación de las tradiciones de manos a manos.
Este traspaso generacional, sin embargo, necesita de mentes foráneas para introducirlas en el funcionamiento de un pequeño restaurante, el Sukiyabashi Jiro, pero con un nivel fuera de lo común. Así, las bases de la cocina japonesa del sushi estarán a salvo de la masificación y elaboración en cadena.

Todo esto requiere un precio, claro está, en primera instancia económico. Pero, algo más importante que piensan estos grandes maestro, es la esquilmación de los recursos piscícolas de nuestros mares. Cosa de muy agradecer.
Una revisión de las políticas para salvaguardar las piezas más pezqueñinas, nos hará ser consecuentes con la devastación que podríamos causar a las siguientes generaciones.
Por tanto, este pequeño santuario de la cocina en Tokio (Japón) supone un nexo de la comunión universal de un concepto del respeto, entre padres e hijos, entre maestros y aprendices, entre público y salud.

Un templo gastronómico dedicado a la mayor calidad del pescado y el marisco, del arroz y la sensibilidad. La sencillez y la dedicación a la búsqueda del sabor poderoso, del aroma tradicional y novedoso, aromatizados y servidos para el deleite, en los restaurantes de la familia Jiro Ono, profieren a su paraíso de unas inalcanzables tres estrellas en la guía Michelín.
Una mente es la causante, joven y vital, Jiro es un privilegiado a la hora de elaborar el sushi. Y su búsqueda del producto fresco y de calidad, es una evidencia en su paso por los vendedores de mercados y lonjas de Tokio.

Sus comienzos con 10 años, y su retorno tras la Segunda Guerra Mundial, se muestran en el documental. Una vuelta que se opuso al rancio abolengo de los maestros de la época, que creían en la inmovilidad de lo tradicional, como algo perfecto.
Jiro se opuso y dio una visión evolucionada de las preparaciones del sushi. Buscando nuevos sabores.
Dijo: "Siempre hay lugar para mejorar... (incluso ahora a los 85 años). Yo cree platos de sushi que por entonces no existían... Yo preparaba sushi en mis sueños, y me levantaba por la noche para hacerlos realidad".

Por último, no es un documental para vegetarianos, es evidente.
Las escenas de elaboración del pescado pueden herir la sensibilidad del espectador. Sin perspectivas de ver algo diferente.
Fascinante mirada a la cultura oriental y al gran producto de consumo que es el sushi.

**** Muy Buena ****

Japón: The Land of the Hope, de Sion Sono. Trailer:


Japón: Samurai X (El Guerrero Samurai). Trailer:


Korea: Pietá un film de Kim ki-Duk. Trailer:


China: Trailer de Life of Pi (Una Aventura extraordinaria), de Ang Lee.

Soul Kitchen: la cocina del infierno con Soul.

Fatih Akim a ritmo de risas y soul.

Cuando te encuentras con un director con personalidad, esto es, unas ideas claras sobre lo que va a contar y una visión distinta de contar los hechos y las relaciones entre seres humanos... es de agradecer. Y de disfrutar.

El director Fatih Akim (nacionalidad alemana con raíces turcas), ya me sorprendió admirablemente con su película Contra la Pared. El reflejo duro sobre la vida en pareja, por el lado oscuro de la moral establecida. También un retrato social sobre la vida en la Turquía más occidentalizada, donde la mezcla de sangre en las nuevas generaciones, convive con la resistencia radicalizada de las costumbres y comunes a ritos religiosos arraigados.
Así como, una reivindicación de la libertad de la mujer, para elegir su destino en la sociedad y en la familia.

El nexo común de la película Soul Kitchen, sin embargo, es la música, en esta ocasión más concretamente al soul. Y, por supuesto, a la comida.
Por contra, se aleja en su paretesco de Contra la Pared, excluyendo las reclamaciones de la igualdad femenina, aunque si aparece la libertad de elección en el trabajo. Tampoco entronca con las peticiones legítimas de los emigrantes, o igualmente con la sexualidad salvaje de la pareja en la intimidad.
Soul Kitchen es un alegato al positivismo, a las ganas de salir a flote. La alegría dentro de una trama ubicada en el fracaso personal de los protagonistas y en el mal agüero.
Aquí el sexo es divertido hasta cómico.
Al igual que la vida rocambolesca de algunos emigrantes desubicados en la Alemania actual.

Por si no fuera poco, la película toca dos de las pasiones más extendidas y universales, el arte musical y el arte culinario.
En Soul Kitchen se condimentan estas dos características, salpimentadas con finas dósis de humor y buen rollo. Pues, en esta cocina se preparan los platos a ritmo de Soul, se aderezan con sonrisas y se sazonan con una pizca de cine negro y carcelario. Por último, todo coronado para su presentación con una ramita de desesperación y sexo.

El producto resultante es una sugerente exquisitez, a la que es imposible resistirse sin hincar el diente. Además, es difícil rechazar un afrodisiaco musical (una de mis pasiones para gozar la vida) pero también da opciones suficientes para atraer a otros espectadores menos apasionados con los ritmos y las corcheas.
Por ejemplo, una estimable interpretación.
Desde los protagonistas a los de reparto, están perfectos en su desempeño. Destacando las interpretaciones de Adam Bousdoukos, Anna Bederke y Birol Ünel. Un trío entre cacerolas y condimentación de corcheas.

Por tanto, Soul Kitchen de Fatih Akim, es una pieza de deleite, con canciones de Kool and the Gang, Louis Armstrong o Quincy Jones, además de muchos otros.
No es recomendable perdérsela si eres aficionado al cine musical.

Casi una década de brillo tuvo el Soul en sus comienzo, de 1957 al 1967. Los hombres de negro, se vestían con sus mejores galas y las compañías discográficas, se fijaban en ellos. Atlantic, Stax y otras más independientes creadas por Sam Cooke, se fijaban en nombres como Ray Charles, Wilson Pickett o James Brown.
En 1967, Aretha Franklin con su tema "Respect" llevo la música a su nivel más reivindicativo, en lucha por los derechos sociales.
El Soul es tan universal, que ahora lo podemos escuchar en cualquier situación de la vida, en un dormitorio o en las brillantes e inoxidables cocinas.

Este bocado sabe divínamente, te levanta e incita a moverte.
Te ríes y disfrutas.
¿A qué estás esperando para verla?
Nice.

**** Notable ****

Songs Specials.
Aretha Franklin.

Sam Cooke.

James Brown.

Ben E. King, Eric Clapton, Phil Collins.

Contrarreloj: Cage contra el tiempo.

Simon say: Stolen.

El director británico Simon West, se acerca con una película a la gran pantalla que llega con cierto retraso. Ya hemos visto una suya posterior The Expendables 2.
Ahora, se proyectará Contrarreloj, continuando su pasión por el cine de acción y explosiones.
Su carrera se inició por la puerta de la comercialidad. Con Air fue su primer film en tierras americanas y ya demostró su poca racionalidad cinematográfica, posteriormente, el siguiente paso sería La mujer del General y volviendo a la senda del titubeo, se desvanecería mi interés cinéfilo con su visión del personaje de los juegos en Tomb Rider. Un fallo que le relegaría a un olvido de cinco años sin rodar.

Tras dirigir Un Extraño Llama, pasarían de nuevo otros cuatro años hasta enlazar con las películas menores en el aspecto olvidado y artístico, para decantarse por la acción violenta. Ninguna novedad.
Así, realiza The Mecanic y The Expendables 2, un esta tercera en cuestión Contrarreloj, de la cual debería hacer alguna disertación, pues es la base de este comentario.

Se trata del tercer film consecutivo que visiono los dos últimos meses, con Nicholas Cage de protagonista, y es curioso que todavía siga intacto en mis facultades de redacción. Porque la mayoría de los guiones son monotemáticos, repetitivos y sin ningun aliciente para mí.
Contrarreloj es la típica cinta de robos, engaños con malo psicópata y secuestros con rescates mil veces vistos. Para no extenderme en demasía, diré que está algo más elaborada que sus dos anteriores, pero contiene en su espina dorsal las mismas incoherencias argumentales. A causa de ello, provocan el sonrojo en más de una ocasión. Y al menos está Malin Akerman.

Así, paso a investigar en la época antidiluviana en la que Nicholas Cage nos recordaba que era un actor. Algunos momentos en su carrera antaño fueron interpretaciones interesantes. Aquí van:

1. La Ley de la Calle (1983): Para mí seguramente la más importante. A las órdenes del añorado por otras épocas Francis Ford Coppola, Rumble Fish se convirtió en una de mis películas favoritas de los años ochenta. (Un día de éstos, la volveré a ver por si hubiera envejecido mal).
El reparto le consagró como a otros de aquella generación de cuero negro.
Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Dennis Hopper, Nicolas Cage, Vincent Spano, Diana Scarwid, Chris Penn, Tom Waits, Laurence Fishburne, Sofia Coppola.

2. Birdy (1984): Alan Parker en plena forma. Un retrato genial sobre la locura, las consecuencias de la guerra y la libertad.
Con un formidable Matthew Modine, completan el reparto John Harkins, Sandy Baron, Karen Young, Bruno Kirby, Dolores Sage.

3. Cotton Club (1984): de nuevo a los mandos Francis Ford Coppola. Por entonces, ambos andaban en plena forma. Historia sobre el club de jazz más famoso de Harlem (Nueva York).
El Cotton Club fue una fuente de efervescencia musical y cultural, donde se daban cita todas las clases sociales a beber y escuchar Jazz. Por tanto, participaban de la vida nocturna, a pesar de las problemas con las mafias y las afrentas raciales.
Reparto: Richard Gere, Diane Lane, Gregory Hines, Nicolas Cage, Bruce McVittie, Lonette McKee, Bob Hoskins, Tom Waits, Jennifer Grey, Laurence Fishburne, Sofia Coppola, Mario Van Peebles.

4. Arizona Baby (1987), de Joel y Ethan Coen. Quienes eran estos simpáticos hermanos que demostraban con su segundo largometraje un soplo de aire fresco y arrollador. Los Hermanos Coen, comenzaban después de la notable Sangre Fácil una carrera que se ha convertido en la actualidad, inigualable.
Rising Arizona, tenía ya muchas de las propiedades hipnóticas del cine de estos grandes directores. Reparto: Nicolas Cage, Holly Hunter, Trey Wilson, John Goodman, William Forsythe, Sam McMurray, Frances McDormand, Randall "Tex" Cob.

5. Hechizo de Luna (1987): Norman Jewison. Una comedia dramática de la máquina hollywodiense, de una época que estaba de moda este género, completado con buenas historias. Ganaría 3 Oscars: Actriz (Cher), actriz secundaria (Olympia Dukakis), guión original. Reparto completado con Danny Aiello, Vincent Gardenia, John Mahoney, Julie Bovasso.

6. Besos de Vampiro (1989): Sólo la vi hace muchos años ya, una sóla vez. La guardo con cierto cariño en la memoria. Ciertamente, no he querido volver a verla. Una locura en la cual, Cage hace todo aquello con un ataud y una cucaracha. Dirigida por un casi desconocido Robert Bierman. Ganaría con ello el premio a mejor actor en el Festival de Sitges. Algun día la volveré a visionar.
Reparto: Maria Conchita Alonso, Jennifer Beals, Elizabeth Ashley.

7. Corazón Salvaje (1990), inolvidable su papel de Sailor, en el film de David Lynch más iconoclasta. Tiene detractores y seguidores fieles por igual, ya que a nadie dejan indiferentes las relaciones oníricas y enfermas del director americano.
Gana en el Festival de Cannes la palma de Oro ese año. Y si los franceses la premiaron, yo no voy a ser menos a la hora de echarle flores. Imprescindible como Elvis.
Reparto: Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, Jack Nance, Crispin Glover, Diane Ladd, Isabella Rossellini, Harry Dean Stanton, J.E. Freeman, Calvin Lockhart, Sherilyn Fenn, David Patrick Kelly.

8. Red Rock West (1992): con la dirección de John Dhal, bastante de moda por aquellos años. Un thriller comparado en la época con Giro al Infierno de Oliver Stone, y ambos salen bien parados. Y es que muchas películas han bebido de El Cartero llama dos veces, del novelista James M. Cain.
Reparto: Nicolas Cage, Lara Flynn Boyle, Dennis Hopper, J.T. Walsh, Craig Reay.

9. Leaving Las Vegas (1985): de Mike Figgis. Tras un lapso de tres años con trabajos bastante comerciales y olvidables. El británico Figgis le da el papel de su vida, con el que ganaría todos los premios importantes ese año, incluido el afamado Oscar.
Muchos empezaron a distinguirle en su forma de interpretar, otros le enterraron definitivamente. Para mí, es una película bastante correcta.
Reparto: Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Vincent Ward, Danny Huston, Bob Rafelson, Mark Coppola, Carey Lowell, Julian Lennon.

10. A partir de aquí llega su etapa más comercial. Enterrado varias veces para el cine (creo recordar incluso para la vida real inclusive). Algunos directores han salido en su rescate en infinidad de ocasiones.
Yo me quedaría sin lugar a dudas con Snake eyes de Brian de Palma, Al límite de Martin Scorsese, Asesinato en 8mms. de Joel Schumacher, Adaptation de Spike Jones, Sonny dirigida por el mismo, Los impostores de Ridley Scott, El hombre del tiempo de Gore Verbinski. Y quizás su último trabajo que me haya gustado, sería El Señor de la Guerra de Andrew Niccol.

Veremos lo que depara el futuro.

La historia del cine, nos dirá en que lugar quedará posicionado. Nicholas Cage parece empeñado en tirar su interesante y dilatada carrera al cesto de la ropa sucia. O quizás, tenga una segunda nueva vida cinematográfica. Ya veremos dijo un ciego.
De momento Contrarreloj, me merece un anotación bastante leve.

** Regular **

Cosmópolis de David Cronenberg. Reparto: Robert Pattinson, Paul Giamatti, Samantha Morton, Sarah Gadon, Mathieu Amalric, Juliette Binoche, Kevin Durand, Jay Baruchel, Emily Hampshire, Patricia McKenzie y Anna Hardwick.

Sinister, de Scott Derrickson. Reparto: Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, James Ransone, Fred Dalton Thompson, Clare Foley, Victoria Leigh.

The Master, de Paul Thomas Anderson. Reparto: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern, Kevin J. O'Connor, Rami Malek, Jesse Plemons, Fiona Dourif, David Warshofsky, Lena Endre.

La Délicatesse: Delicadeza de 2 Audreys.

Flotando entre dos aguas:  comedia dramática.

Es un hecho contrastado que el cine francés goza de una salud envidiable, y hace gala de una delicadeza que muy pocas filmatografías mundiales tienen el privilegio de ofrecer.
En este film se vuelve a confiar en una pareja de hermanos para la dirección, en este caso, además ambos han sido también actores Stéphan Foenkinos (Persépolis, Las aventuras amorosas del joven Moliére) comenzó siendo la directora de casting de los más grandes del cine francés, y David Foenkinos (Un Feliz Acontecimiento). Este último es también novelista de la obra y guionista del film.
Hermana y hermano, multifacéticos.

La Délicatesse es una historia para todos los públicos, y trancurre en trazos que convergen y se separan entre la comedia y el drama.
Por otro lado, descrubrir a estas alturas a la actriz Audrey Tautou con unas similitudes en la versión más romántica e idealizada de su carrera, como fue la Amélie de Jean Pierre Jeunet. En cambio, no sería lo más acertado para acercarse a la visualización del film de los hermanos Foenkinos, La Délicatesse.

Para buscar una homología, sin duda, me parece que estaría más idealizada en el rostros pizpireto, coqueto y "delicado" de una de mis musas de juventud. A veces, ingénuamente divertida, otras con la delicadeza aparente escondida tras una fuerza interior y... por qué no, hasta cierta irreverencia clásica.
Hay momentos en que Audrey Tatou se transforma en Audrey Hepburn.

Sencillamente en los instantes que la película golpea más duro en su dramatización, Tatou es la femme delicada y melancólica, sin perder el fulgor que definía a la estrella hollywoodiense.
La Délicatesse establece unos parámetros errantes entre la delicadeza y la falta de ella. También los personajes perpetran el juego de la falsedad y la fata de moralidad, sus medias tintas en las relaciones personales con familia, compañeros de trabajo y amistades. Pero, Audrey siempre sale indemne a tales situaciones.

La anti-delicadeza en ciertos minutos de metraje se convierte en fina y atractiva comedia, en la cual los sentimientos se muestran frescos y hasta efervescentes entre diálogos cargados de empatía y acidez. Inclusive, los directores Foenkinos consiguen el cometido de arrancar la sonrisa o posible carcajada confidente del espectador.

La "visage" siempre adolescente de ambas es la cima sin parangón de la delicadeza.
Aundrey Hepburn en muchas películas románticas tenía como parteners a hombres mucho mayores o incluso menos atractivos, una edad que no correspondían con su cara añiñada de porcelana blanquecina y cabellos a juego de ojos negros. La niña de Hollywood se rodeó de estrellas de la talla de Gregory Peck en Vacaciones en Roma, Humphrey Bogart en Sabrina, Henry Fonda en Guerra y Paz, Fred Astaire en Una cara con ángel... o Gary Cooper en Ariane. Yo creo que bastante mayores a ella, pero con un carisma innegable.

Audrey Hepburn nace en Ixelles (Bélgica) y cuánto más se acercaba a Europa en sus películas más semejanza con Audrey Tautou que nació en Beaumont (France) y reversiblemente, ésta cuánto más se aleja de la superproducciones norteamericanas más entronca con la primera, por tanto, en cierta medida se tocan muy de cerca.

Audrey Tautou está flanqueada y compaginada magníficamente por el actor François Damiens (con 28 películas en su haber, empezó tardíamente con OSS-117 en 2006; por tanto una carrera prolífica) le da la réplica en delicadeza compartida e ingenuidad a la actriz francesa.
Es una pareja de baile que proferiría pisotones de pies, como pato enamorado y embobalicado. Su encaje físico es inversamente proporcional, a su natural y contenido galanteo desengalanado. Con su desaliñada comicidad y medida verbosidad, se gana la simpatía y el aplauso del público.

Así, La Délicatesse no es la comedia romántica al uso.
Emerge la cinta, como un estudio suavizado de las relaciones interpersonales, los chismes y cotilleos de las oficinas o trabajos. El reponerse a situaciones que otros se empeñan en dejar petrificadas en nuestras retinas.
Y a la pérdida de la felicidad... aunque está no tiene que ser para siempre.

*** Buena ***

La protagonista Audrey Tautou tiene aún por estrenar el film del recientemente fallecido Claude Miller. Thérèse Desqueyroux cerró el festival de Cannes este año.
Trailer v.o. subtitulado al inglés.


Se estrena una nuevo film francés, titulado Le prénom. Dirigido por Alexandre de La Patellière y Mathieu Delaporte. Reparto: Patrick Bruel, Valérie Benguigui, Charles Berling y Guillaume de Tonquedec.


Con el título español Una Botella en el mar de Gaza (Une bouteille á la mer), el director Thierry Binisti nos acerca al conflicto islámico. Reparto: Agathe Bonitzer, Mahmoud Shalaby, Hiam Abbass.