Inside Llewyn Davis.

El Compositor y el gato viajero.

Los hermanos Coen vuelven a ofrecernos una película como un pequeño viaje. Pero no uno hacia el éxito infinito, eso está reservado a los gatos, más bien, simple deambular circular de unas garras artísticas por el pavimento frío y mojado. Un encuentro esquivo del músico con su Ítaca particular. El miedo al futuro fracasado.

Desde los orígenes del cine, grandes precursores de todo este tinglado como los Hermanos Lumière, han establecido sus particulares viajes. Otros cineastas como los hermanos Coen están consiguiendo del Séptimo, un arte al alcance de unos elegidos trotamundos. Esta carrera que comenzara humildemente en 1984 con Sangre Fácil, sigue en progresión y con ella celebramos treinta años de Joel y Ethan, haciendo recorrido por unos personajes inmersos en empresas oscuras y por la música en sus películas.
Llewyn Davis es “Cat-autor”. De cante, humor y gato.

Pobre como los artistas que se lanzan a pisar los pequeños escenarios de clubes nocturnos del Greenwich Village en los 60, las productoras de poca solvencia y escasa imaginación para los lanzamientos folk… y el frío húmedo de las calles de Nueva York. La andadura musical de este músico de pies helados y buche vacío, se corresponde con la de otros artistas descendientes de judíos (como los Coen). Para Llewyn, el éxito es esquivo. Una sombra en surco de vinilo.
La mezcolanza de estilos de sus primeras películas compaginando ritmos tribales electrónicos con el folk y el rock, tenía forzosamente que dar paso a utilizar a un protagonista dedicado al mundo de la música en alguna ocasión. Sus bandas sonoras son un compendio de estilos que marcan el visionado de sus largometrajes y dan un ritmo especial a las secuencias rodadas por estos genios de Minneapolis. Trabajar con ellos es el trampolín de la carrera de sus protagonistas, como en este caso, un Oscar Isaac sensible, ilusionado y frustrado.

Si bien el compositor de cabecera de sus largometrajes Curter Burwell inspirado en las calles de su Nueva York natal pudiera haber dirigido los compases de este filme, se han decantado por T-Bone Burnett. Reconocido por su trabajo en películas como Walk the Line, The big Lebowski y O Brother, Where Art Thou? Además es miembro guitarrista de la banda Alpha Band. Y lanzado en la producción sonora de la serie True Detective.

Este particular descenso a los infiernos por la calle melancolía americana del folk urbano, se acompaña del entrañable humor sangrante como demostraron en Arizona Baby, El gran Lebowski y sobre todo, O Brother! que comparte con A Propósito de Llewyn Davis su gusto por la escena musical y por las odiseas, en este caso, a cargo de su amigo fantasmagórico Ulises.
En 1961, el Upper West Side es el escenario residencial, circunscrito en un frío y húmedo Manhattan que se localiza entre Central Park y el Río Hudson. Absorbía todas las influencias de los distintos estados de sus componentes, hacia un estilo particular novedoso, del cual su mayor exponente estuvo en el poeta y músico Robert Allen Zimmerman, de origen judío y nacido en Minnesota. Casualidades de los Coen.

La música de la película interpretada por el elenco: Isaac (Ágora, Drive), Timberlake (Black Snake Moan, The Social Network), Mulligan (An Education, Shame) y Adam Driver (J. Edgar y Lincoln y que estará en la próxima esperada película de Mike Nichols, Midnight Special). Grabada en vivo, son versiones completas de viejas canciones folk como Dink's Song. Libremente, se basa en el libro de Dave Van Ronk y sobre todo en las letras, también incluidas en su disco Inside Dave Van Ronk. También algunas canciones surgieron de conversaciones entre los Coen y su habitual productor T-Bone Burnett.

Sin embargo, nada es casualidad en mentes tan apabullantemente inteligentes como la de esta pareja de cineastas. Todo el viaje invisible por las calles de Manhattan con su infiel compañero gatuno, al infierno cultural de Chicago (dónde se encontrará con dos grandes de la interpretación John Goodman y F. Murray Abraham) y al desánimo del fracaso; confluirá en esta odisea circular. Como dato curioso y literario, apuntar que Abraham hará del álter ego de Dante junto a dos pesos pesados Taylor Hackford y Franco Zeffirelli. Historia cargada de sentimiento y música, por dos hermanos que escriben en armonía perfecta.

Ethan Coen expresaba: “Como experiencia ha sido una producción más divertida de hacer por el simple hecho de que muchas escenas se basan en escuchar a un músico tocar una canción. En O Brother! también tuvimos escenas musicales y, en algunos momentos, dejas de sentir que estás haciendo una película y te sientes un espectador viendo una actuación musical. Y eso es grandioso”. Nino dixit: “Qué gozada”.
El círculo vicioso dónde los fracasados son la rampa de lanzamiento para otros emergentes, y más capacitados para la reflexión y la poesía. Amalgama de nueva sangre, con estilos diferentes desde el country al blues, pasando por el jazz o el rock and roll. Una voz descarnada se eleva en la sombra del escenario, una estrella que luchará por los derechos de los ciudadanos y por el amor no correspondido hacia un Llewyn fuera de sí.

Esa voz judía y despeinada que entonaba frases como éstas: "Naces, con nombres equivocados, padres equivocados. Quiero decir, eso sucede. Te puedes llamar como quieras. Este es el país de la libertad". Sin embargo la libertad tiene un precio… un golpe certero que puede hacernos despertar de nuestros sueños a la humilde y sangrante realidad.
Las palabras retumbarán en la cabeza de Llewyn, en su final de trayecto, un callejón oscuro en la parte trasera del Gaslight. Sin Ítaca ni Penélope… ¡Au revoir!

Al menos, el Garfield de rayas “uliseadas” dormirá calentito y con su tripa llena.

**** Notable ****

A Most Violent Year.

Unidos o separados por la familia.

Ni por asomo tres películas consolidan el futuro de una carrera cinematográfica, pero si se convierten en la base de un comienzo, sobre todo si tienes 41 años, además eres guionista y los títulos presentados tienen un visionado esperanzador para los espectadores y la crítica. Un director que se relanzaría con su primer y comprometido largometraje en el Festival de Sundance, titulado Margin Call y llamaría la atención del propio Robert Redford que participaría posteriormente en su segunda aventura con Todo Está Perdido, convirtiéndose en el único y sufrido protagonista de un reto personal y de supervivencia.

J.C. Chandor director nacido en New Jersey nos acerca una historia con un nombre sugerente, A Most Violent Year que hace referencia a una etapa concreta en la ciudad de New York dónde se produjeron numerosos escarceos mafiosos y tratos ennegrecidos por la corrupción en todos los ámbitos de la sociedad. Para ella, ha tenido el inmenso acierto además, de contar con dos de los actores más interesantes del panorama actual, forman pareja de sentimientos y de sociedad con intereses comerciales. Quizás, algún otro oculto.
Jessica Chastain conforma un rol atrevido, sobre el filo de la navaja y la postura de la elegancia en cada paso que da, con una cara familiar y cercana junto a otra más radical y salvaje, mientras que Oscar Isaac realiza un recital interpretativo que va, desde la fortaleza de un hombre gestionando una crisis económica y la sobriedad gestual de un poderoso que recuerda a primos lejanos, como el Pacino de Michael Corleone o un Tony Montana mucho más centrado y cabal.

Cuando comienzan las primeras secuencias, nos encontramos con un abrigo de paño llamativo y un corte de pelo a lo Mia Wallace cambiado por un rubio típico de las damas de alta sociedad con un lado oscuro, pero que abren las puertas de la década de los ochenta representada magníficamente en esta producción de FilmNation.
La familia es la referencia y la diferencia fundamental que distancia la forma de pensar u obrar en este matrimonio, enfrentados por la entereza y los valores esenciales del ser humano. Durante la historia que nos edifica un imperio logrado de forma competitiva (pero sin coquetear con acciones fuera de la ley, en principio) se entrevé las diferencias de sus orígenes y las relaciones sanguíneas con el resto de familiares, que curiosamente no aparecen.

Sin embargo, si que tienen una fuerza por su trabajo dos actores muy diferentes entre sí (un asesor y un policía) interpretados por Albert Brooks y David Oyelowo respectiva y efectivamente. Ambos educados de forma radicalmente opuesta, pero con la misma intención de seguir una línea lo más recta posible.
Esta educación que no impidió que un joven conductor de camiones cisterna se lanzara al negocio del combustible en los Estados Unidos, cuando provenía de una tierra con menos probabilidades de éxito. Y aunque quemara todo rastro de contacto mafioso con la familia y los métodos ilegales de comercialización y producción, persistió para transformarse en uno de los más importantes hombres de negocios en un Manhattan con claroscuros, con espacios luminosos que sugieren violencia y habitaciones dónde se firman los contratos y el destino.

Chastain es una mujer de armas tomar y... ¡vaya mujer! Un sueño.
A su lado cualquiera puede parecer pequeño (interpretativamente), pero resulta que su partenaire es una bomba en expansión, tras su excelente trabajo con los hermanos Coen en A propósito de Llewyn Davis (y otros registros como en Ágora, Drive o Las Dos Caras de Enero) que le han permitido entrar como cabeza de esta familia del cine. Entre las grandes interpretaciones vinculadas al mundo de la mafia, mantiene siempre el pulso y la cabeza bien alta con su aspecto físico e imagen inmaculada.

Se narra la aventura empresarial de un hombre con una ambición innata, que sin explicación posible, trata de conseguir todo lo que se propone más allá de la posición social o el poder, sino un reto personal. Aunque no le guste a su, no frágil, esposa. Todo bajo la tutela en la dirección de Chandor, que rueda con estilo clásico y conversaciones dirigidas con pulso académico y racial. Con paseos en travelling por los barrios y las circunvalaciones por las que marcha el oro negro, palabras sacadas de las entrañas de sus personajes y dichas con realidad apabullante, un elenco bien seleccionado completado por Elyes Gabel, Alessandro Nivola y Catalina Sandino Moreno; o una fotografía que intercala los interiores lujosos con secuencias al aire libre luminosas, lanzadas con reproches policiacos, extorsiones y otros problemas sobre la clase trabajadora.
Aquí en El Año más Violento, J.C. Chandor se enfrenta al crimen y el miedo, dónde el director retrata a los mafiosos y su ética recordando a los clasistas del Séptimo Arte, y la verdad es que logra una curiosa y atractiva película.

Una apuesta, es que logra una secuencia para la posteridad y el interés de los cinéfilos, con una persecución cargada de tensión y elementos novedosos por los vehículos y la iluminación de la perspectiva. Recuerdos de otros conductores que manejaron entre La Huida y el Bullit de Steve McQueen, o el Frankenheimer dividido entre el Robert Shaw de Domingo Negro (novela del mismo autor que El Silencio de los Corderos, Thomas Harris) y Gene "Popeye" Hackman tras los paso de nuestro recordado y gran actor Fernando Rey.
Por el contrario fuera de los escenarios más amplios, cuando observamos los primeros planos con el peinado engominado del protagonista llamado Abel Morales, envuelto en su capa para los negocios contra los actos violentos (no tan sangrientos como en épocas anteriores) y estados de corrupción se refleja todo ese trabajo de composición que no siempre se acentúa. Aquí, es un acierto tan necesario como discreto.

Una época que significaría el comienzo de una etapa oscura en la economía norteamericana, y que recuerda por otras latitudes los casos que han hecho saltar por los aires a instancias europeas o mundiales, copiadas en aquel pasado criminal basado en el poder y el dinero. Porque mientras las amenazas y los asaltos a plena luz del día se multiplican, y empieza el debate entre la libertad de movimientos o la protección familiar, comienza esa batalla entre la sangre, el poder y el posicionamiento recto de un hombre que ablanda los corazones demasiado duros con su ideología empresarial. La fría y pura competencia.

Este J.C. Chandor se posiciona como director a seguir en el panorama futuro, con una película A Most Violente Year que mantiene y recuerda las producciones del pasado sobre las relaciones empresariales con la ley, o el asesoramiento en los negocios con la postura de los trabajadores. Mostrando las diferencias sociales y económicas a uno y otro lado.
Siempre bajo la figura alargada de un Padrino que aparece como una sombra, rubia y unos labios carnosos que se pronuncian con contundencia frente a la delincuencia del exterior, con el fantasma del desempleo y los estados mentales marcando el final de los acontecimientos narrados.

*** Notable ****

America For Me - Alex Ebert (A MOST VIOLENT YEAR Soundtrack)

Las Dos Caras de Enero: las dos facetas de Amini.

Basado en la novela de Patricia Highsmith.

Todo en este mundo parece moverse entre dos, como número mágico para la transformación y el crecimiento.

Semejante dualidad concurre en las personalidades de los hombres en sus novelas, pero las mujeres también se caracterizan por mostrar o esconder estas dos facetas. En el caso de Patricia-Highsmith, la novelista texana de Fort Worth, con sus problemas con el alcohol y el divorcio de sus padres, que le llevó a no conocer a su padre hasta la pubertad. Posteriormente, a la edad de 21 años descubriría su homosexualidad de la que se siente culpable como estigma familiar, y con 29 sería descubierta como escritora por el mismísimo Alfred Hitchcock, a través de su primera novela con el título de Extraños en un Tren.

Creo no descubrir nada, al decir que el maestro del suspense también se definía por una doble y acusada personalidad, entre el humor negro y los hechos más truculentos.

Highsmith comienza su serie del personaje de Ripley con A Pleno Sol, la película del director francés Réné Clément (un codirector junto al gigante Jean Cocteau en La Bella y la Bestia). Luego sería rodada de nuevo por Anthony Minghella, conocida por su nombre original El Talento de Mr. Ripley, con protagonismo de Matt Damon y Jude Law.

Si era común representar la dualidad en los protagonistas reales de las películas y las adaptaciones de sus novelas, no será menos representativo de los personajes de ficción. Patricia Highsmith se decanta por individuos resplandecientes y positivos, que ocultan en el paso y peso de las páginas terribles circunstancias, más cercanas a las pesadillas de Hitchcock y los crímenes enfermizos o sentimentales, que con los lugares turísticos de ensueño en que se centran sus tramas.

Unos años después de Ripley, llega la hora de la novela en la que se basa la película del director iraní Hossein Amini con el mismo título de Las Dos Caras de Enero, protagonizada por Viggo Mortensen acorralado entre Atenas y sus famosos monumentos, la isla de Creta y Estambul, aunque perseguido por los avatares con su pareja matrimonial en el filme, interpretado por la delicada y elegante Kirsten Dunst. Mientras, toda la trama de celos y cambio de roles, es observada desde la vorágine timadora de un Oscar Isaac dedicado a aligerar las cuentas corrientes de los despistados turistas. Recordar a Isaac protagonizando la notable película de los hermanos Coen, Inside Llewyn Davis.

Amini proviene de la escritura como forma habitual de vida (sólo había realizado un corto) como guionista de interesantes películas, entre las que destacan Jude de Michael Winterbottom, Blancanieves y la leyenda del cazador, y sobre todo, Drive. Una de las sorpresas de 2011 con la eficacia del danés Nicolas Winding Refn.
Ahora, en su primer largometraje desarrolla temas que confluyen en los mismos que se aproximan a los personajes de sus argumentos, con un romanticismo llevado al límite, el clasicismo de los rodajes de Hollywood, y especialmente, el thriller con protagonismo de la envidia, los celos y la venganza. Todo resuelto por la violencia con tintes emocionales, ya sea debida a un destino preconcebido o la casualidad.

The Two Faces of January, juega con las mismas reglas del juego de Ripley y los triángulos de pasión. Además, de un personaje amoral fuera de los cauces habituales, que reúne a su alrededor desde la violencia al hedonismo, pasando por la venganza personal de la autora ante el esnobismo clasista de aquella época. Sin embargo, el destino femenino (a veces tachado de misoginia) en esta película y en otras dibuja un panorama de cataclismo en su parte final, reconocido en la obra de Highsmith.

En definitiva, se echa de menos el sentido criminal de otras novelas, pero la participación de los actores y su fiel manera de rodar, convierte a Las Dos Caras de Enero, en un buen inicio de esta nueva cara del director iraní. Aunque, podría haber indagado más en los personajes.


*** Interesante ***

The Two Faces of January - Alberto Iglesias