Shame.

Caída a los infiernos de una adicto sexual.

Steve McQueen se ha consagrado como uno de los directores de cine imprescindibles de la actualidad. Y para Cinecomio, uno de sus favoritos, aunque últimamente ande como Peter por su casa, de realidad virtual.
Al proponerme escribir sobre está joya, de los antiguos 24 fotogramas por segundo, dudé si ponerla en el apartado de estrenos para terminar acomodándola en este Wall Bloody terrorífico. Porque la cinefilia que destila esta tremenda parábola de la adicción, transita brillantemente y corre desbocada, entre la vergüenza, el egocentrismo y la lástima.


Y es que Shame es una obra adulta, compleja y terrorífica. Una mezcla que puede ser un cóctel "molotov" para determinados rangos de edad (yo en concreto tuve un matrimonio mayores de 60 años que salieron echando pestes), hay que tener un nivel cultural y aperturista de ideas para visionarla. Y disfrutarla.

Shame posee una colección de imágenes de enorme poderío visual. Dominio de la técnica y de la iluminación, por lo que McQueen está llamado a ser un privilegiado, en esto de rodar Obras Maestras:

1) El precalentamiento: Algunos que pertenecemos a la generación criada a la luz de rayos catódicos, bombardeos publicitarios y oscuridad en salas de cine; también nos incluimos en la sociedad de la libertad sexual y de contenidos eróticos-festivos en los medios. Pues bien, sin medir las escenas explícitas de Shame (que sería mucho medir), creo que era necesario un film de las características intelectuales y psicológicas de esta poderosa Shame. Además de un control del guión, de la interpretación y de la técnica, absolutos.
En estos calientes preliminares se mueva la cinta, subiendo la temperatura corporal de los espectadores. Sus secuencias iniciales tienen el privilegio de ser inéditas en la historia del cine. Yo no recuerdo nada semejante, a lo ofrecido por Steve McQueen. Si no te sumerges en este mundo de alto voltaje... no estás vivo.
Fassbender y sus chicas, son capaces de excitar al personal desde un apartamento, pasando por un vagón de metro magistral, en un club o en una discoteca de la noche neoyorquina, en las calles, avenidas o edificios acristalados de la Gran Manzana. Un homenaje espléndido a la ciudad de New York (con el permiso del gran Woody Allen).

2) La eyaculación exterior: Internet invade todos los rincones de nuestras vidas, desde una oficina de trabajo al refugio de nuestras casas, donde los juegos sexuales son privados, pero al alcance de todos. Sin control...
El sexo se ha convertido en una aliado vicioso de singles y parejas mal avenidas (del sexo en pareja no hablo en estos momentos). La adicción llama a las puertas de los débiles... si el FBI lo permite. Jeje.
Steve McQueen nos obsequia una colección de encuentros, en los que la sugestión y el realismo desbordan la pantalla. Demostrando que es un dominador de la cámara, sus visiones de encuadres de todos los estilos: planos, contra planos, panorámicas, picados, tomas desde atrás sesgadas, primeros planos encuadrados para la posteridad (como la interpretación de New York-New York por Carey Mulligan, bellísimo homenaje a esta ciudad). Y además, un travelling antológico que quedará en los anales de la Historia del Séptimo Arte.

Además, el film se hace acompañar por una banda sonora (compuesta por Harry Escott) con cuerdas que rasgan el alma, que te va sumergiendo en el fuego fatuo de sus personajes. Reflejando la obsesión y la enfermedad en sus notas, toda la fuerza de la provocación y su visión narcisista. Imprescindible será escucharla completa en algún determinado momento de nuestras vidas. A la elección de cada uno... También mezcla moderna de Blondie con música clásica de Bach y jazz de John Coltrane o Chet Baker.

3) Eyaculación interna: Como en un proceso de sexo tántrico, es el guión fantástico y medido de Shame. No por lo que representan las filosofías orientales, ni mucho menos, si no por un recapacitado control de las emociones y las dudas mentales. Un proceso introspectivo durísimo, no al alcance de todas las generaciones ni cerebros.
Michael Fassbender y Carey Mulligan interpretan con pulso de cirujano este juego sexual, que como todos, radica en nuestra cabeza al 95%. (Además sus carreras han explotado definitivamente en este atractivo y cinéfilo 2011).
Así, consiguen que nuestros cerebros vayan a mil por hora, sintiéndonos excitados, extasiados, extraños, asqueados y derrotados. Ya que el sexo o su adicción, tiene la extenuante fuerza que convierte a sementales vigorosos en piltrafas o basuras humanas.
Todo esto se consigue en un pequeño film de una hora y casi cuarenta minutos. Y un preaviso o señal majestuosa del peligro. No por mucho correr podrás evadirte a la decadencia moral del ser humano... aunque esa señal venga en forma de mano ladeada de color rojo... Pero, todo en la vida sigue su marcha y la mano se quedará en intermitencia colgada de un cable para los siguientes ciudadanos.

4) El orgasmo: Cuando el sexo domina todos los ámbitos de la vida, ni el mayor de los orgasmos llegará a hacerte feliz para siempre. La gran pregunta de la filosofía universal, ¿qué es la felicidad?.
El placer supremo o enterrarte en vida para siempre. El orgasmo es morir un poco en vida. Lástima es lo que nos embarga cuando lo perdemos todo. Vergüenza es lo que sentimos, cuando los demás miden nuestros actos.
Nuestros seres queridos son los avisos, y la incomunicación o aislamiento es el problema de nuestra sociedad. Todo ello, nos acerca al film más terrorífico de la última década.

Yo no soy muy religioso, ni mucho menos, un censor. Soy un liberal del siglo XIX, fuera de época. Pero, pienso que cuando no queda nada por experimentar en la vida, sólo te queda postrarte y pedir perdón a nuestros seres amados. Por ser un ciego, un narcisista o un alma destrozada.

Concluiré este éxtasis, con una fascinación intelectual por esta joya sobre la podredumbre humana. SHAME.
Ya puedo respirar en paz, tras haber eyaculado una excelente obra.


***** Excelente *****

Sus próximas películas, hasta verle en la adaptación del juego Assassin's Creed y en Prometheus 2, pareciera que Fassbender quiere girar su carrera con varias películas de producción británica, como la nueva sobre Macbeth.

Frank, de Lenny Abrahamson. Reparto: Michael Fassbender, Domhnall Gleeson, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, Lauren Poole, Hayley Derryberry, Mark Huberman.

Rodaje de Macbeth, de Justin Kurzel. Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, David Thewlis, Elizabeth Debicki, Jack Reynor, Sean Harris, Paddy Considine.


Mientras que Carey Mulligan estará en los nuevos trabajos de directores con galones, como Thomas Vinterberg y Nicolas Winding Refn.
También en el rodaje del filme Suffragette, de Sarah Gavron (guion de Abi Morgan). Reparto: Carey Mulligan, Meryl Streep, Helena Bonham Carter, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw.


B.S.O. de Shame compuesta por Harry Escott.

John Coltrane - My Favorite Things

Sufragistas.

Sufragio Universal: un caballo desbocado en las calles de Londres

El London East siempre fue un escaparate de la pobreza en siglos anteriores y un rancio exhibicionismo de la disgregada Europa, que comenzaba a enderezar sus rumbos torcidos en la antigüedad, como espejo de una sociedad cambiante y evolucionada. Un número importante de personas empezaba a cuestionar ciertos aspectos de la justicia y los anticuados e inmovilistas políticos. Nos suena... ¿verdad?
En dicha sociedad se cubrían a duras penas con necesidades básicas de una población creciente y adocenada en guetos, en descomposición de humildes familias e individuos castigados por hambre, crisis laboral o la ceguera del poder en sus púlpitos elevados. Rescoldos de una decadencia moral del pasado y sus pilas de mentiras abrasando la conciencia de sus huesos macerados y pobres.

Aquellas familias necesitadas trabajaron por un mísero jornal y presiones injustificables entre seres humanos, que las alejaba de los puestos representativos o derechos esenciales y trabajo para mantenerse a diario; otros como la educación o la sanidad, incluso eran cuestionados para los trabajadores y trabajadoras, por aquellas leyes que negaban el derecho a la igualdad de clases y géneros. Esta lucha de miles de años y sufrimiento familiar, se empezó a dirimir en las calles y cuestionar en los reticentes tribunales, para que ciudadanas europeas fueran tratadas como iguales respecto a hombres o criminales, con permisión de las autoridades.
Levantamientos justos, en busca de la defensa igualitaria y un futuro común que pudiera ser admitido por ambos lados, en libertad, asimismo con el voto olvidado (sino negado) para elegir a sus representantes en el gobierno. A partir del año 1910, las Sufragistas se envolvieron en el valor y la autoridad moral, para convertir Londres en una ciudad precursora de modernidad y justicia, con su movimiento pacífico en principio, las mujeres inglesas decidirían hacerse oír bien fuerte en la cara masculina del poder, por las malas o de forma clandestina. Buscando la repercusión mediática acorde a la necesidad heroica contra nuestra adormecida sociedad.

La película Sufragistas de la directora Sarah Gravron, nos revuelve en el asiento con la comodidad actual, ya que la historia del movimiento femenino que proclamaba una ruptura con el esclavitud y la desigualdad en la pareja, está brillantemente retratada y protagonizada con vergüenza ante el género masculino por sus valientes protagonistas reales. Menos conocidas, Violet Miller (la actriz Anne-Marie Duff), Alice Haugton (Romola Garai) o la principal de la película y magnífica en su rol, Carey Mulligan como la joven madre Maud Watts. Mientras la presencia de los primeros nombres históricos recaen en Helena Bonham Carter en un papel con reminiscencias teatrales (sin canto) de su Mrs. Lovett en Sweeney Todd, la aparición en las alturas de Meryl Streep como la líder activista Emmelline Pankhurst o la fundamental decisión de Mrs. Emily Wilding Davison, que cambiaría con su acción la perspectiva del rey Jorge V. Y de la sociedad en su ciega montura aquel significativo y dramático 4 de junio de 1913.

Después de siglos de infortunado desprecio por la paridad y estancamiento de sus valores erróneos, su unión en femenino supondría el triunfo de lo justo sobre las actividades de alimañas que se aprovechaban de su fuerza o posición machista, demostrado el valor en el alzamiento de su voz magullada bajo el sudor y lágrimas. Es decir, la victoria de unas trabajadoras que no tenían más derecho por entonces, que su propio silencio.
La vida de alguna de ellas, se muestra crudamente en la película con un guion perfecto de Abi Morgan (como aquel de la increíble Shame, The Hour o La Dama de Hierro), es una fotografía en blanco y negro, inculcado por el grisáceo de fábricas y casas desvencijadas, la frialdad de una respuesta adecuada por sus hombres, y una guerra silente que sería ganada por las chicas. Mucho antes de que se sucediera el resultado final, porque el derecho constitucional nos haría a todos iguales ante la ley.

La quejas y otras acciones de presión en las calles adoquinadas está bien reflejada por la movilidad de una incipiente fotografía para el consumo, y la incomodidad de una parte del género masculino para bajar sus pantalones a la cruda realidad. Aquello derivaría en una represalia desnuda sobre cuerpos frustrados por la economía y otros abusos fomentados o escondidos por verdaderos criminales.
Ya no volverían sus atrocidades a ser silenciadas por el miedo, o dejar sin castigo por una justicia determinada o sesgada. Considero que la misión de esta heroínas (al mismo nivel que los grandes mitos clásicos) aún no está completada del todo, pues la sociedad tendría que avanzar más, hasta que la última palabra tenga su propio derecho a ser escuchada y el eco venza a los enemigos de la igualdad en el mundo.

La directora Sarah Gavron llama a filas a su escuadra de luchadoras con esos rostros efectivos, como las manos "cockneys" del obrero East End británico que con su sacrificado esfuerzo fueron motores textiles para la economía y el crecimiento familiar. Un embrión artístico de mujeres o actrices echadas para delante, valientes que defienden su posición en el mundo del cine dirigido por el hombre, también. Con su visión necesaria y comprometida en favor de aquellas que no tienen derechos hoy, o en favor de su identidad femenina como motor de cine y altavoz especializado para combatir el olvido.
Aquellos días de inicios del siglo XX, el rey y el mundo, se bajaron de la cabalgadura de golpe tremendo. Del gusto amoldado a la comodidad de sus partes nobles, cuando la fuerza arrolladora de las Sufragistas, golpeó sus testículos con la evidencia. Entonces, aquella heroína sin nombre, sobrevoló mentes cerradas en los círculos sociales de los diarios y las leyes exclusivas se abrieron a la mediocre superioridad moral de antaño. Aunque, en nuestra era aún quedan demasiados espacios en el mundo, en que las mujeres deberían ser ayudadas y estos numerosos ´-ismos` cargados de agresividad, combatidos.

El filme Sufragistas, rodado en el centro de la City y los condados de Kent, Bershire y Hertfordshire, sería como una sincera castración y merecida de la sociedad construida en años de oscurantismo y negación de derechos a las madres, respecto con sus hijos.
Una potente y necesaria película, sobre aquellas madres queridas, que vieron desaparecer su vida y no se doblegaron al suplicio, de una nula protección jurídica. Ante esas decisiones desacreditadas e injustificadas de algunos de los padres de la época, para la consecución de una partición justa en sus derechos. Como la crianza compartida de sus pequeños... y finalmente, el alzamiento decidido de sus callados y golpeados deberes, o sueños.

Inside Llewyn Davis.

El Compositor y el gato viajero.

Los hermanos Coen vuelven a ofrecernos una película como un pequeño viaje. Pero no uno hacia el éxito infinito, eso está reservado a los gatos, más bien, simple deambular circular de unas garras artísticas por el pavimento frío y mojado. Un encuentro esquivo del músico con su Ítaca particular. El miedo al futuro fracasado.

Desde los orígenes del cine, grandes precursores de todo este tinglado como los Hermanos Lumière, han establecido sus particulares viajes. Otros cineastas como los hermanos Coen están consiguiendo del Séptimo, un arte al alcance de unos elegidos trotamundos. Esta carrera que comenzara humildemente en 1984 con Sangre Fácil, sigue en progresión y con ella celebramos treinta años de Joel y Ethan, haciendo recorrido por unos personajes inmersos en empresas oscuras y por la música en sus películas.
Llewyn Davis es “Cat-autor”. De cante, humor y gato.

Pobre como los artistas que se lanzan a pisar los pequeños escenarios de clubes nocturnos del Greenwich Village en los 60, las productoras de poca solvencia y escasa imaginación para los lanzamientos folk… y el frío húmedo de las calles de Nueva York. La andadura musical de este músico de pies helados y buche vacío, se corresponde con la de otros artistas descendientes de judíos (como los Coen). Para Llewyn, el éxito es esquivo. Una sombra en surco de vinilo.
La mezcolanza de estilos de sus primeras películas compaginando ritmos tribales electrónicos con el folk y el rock, tenía forzosamente que dar paso a utilizar a un protagonista dedicado al mundo de la música en alguna ocasión. Sus bandas sonoras son un compendio de estilos que marcan el visionado de sus largometrajes y dan un ritmo especial a las secuencias rodadas por estos genios de Minneapolis. Trabajar con ellos es el trampolín de la carrera de sus protagonistas, como en este caso, un Oscar Isaac sensible, ilusionado y frustrado.

Si bien el compositor de cabecera de sus largometrajes Curter Burwell inspirado en las calles de su Nueva York natal pudiera haber dirigido los compases de este filme, se han decantado por T-Bone Burnett. Reconocido por su trabajo en películas como Walk the Line, The big Lebowski y O Brother, Where Art Thou? Además es miembro guitarrista de la banda Alpha Band. Y lanzado en la producción sonora de la serie True Detective.

Este particular descenso a los infiernos por la calle melancolía americana del folk urbano, se acompaña del entrañable humor sangrante como demostraron en Arizona Baby, El gran Lebowski y sobre todo, O Brother! que comparte con A Propósito de Llewyn Davis su gusto por la escena musical y por las odiseas, en este caso, a cargo de su amigo fantasmagórico Ulises.
En 1961, el Upper West Side es el escenario residencial, circunscrito en un frío y húmedo Manhattan que se localiza entre Central Park y el Río Hudson. Absorbía todas las influencias de los distintos estados de sus componentes, hacia un estilo particular novedoso, del cual su mayor exponente estuvo en el poeta y músico Robert Allen Zimmerman, de origen judío y nacido en Minnesota. Casualidades de los Coen.

La música de la película interpretada por el elenco: Isaac (Ágora, Drive), Timberlake (Black Snake Moan, The Social Network), Mulligan (An Education, Shame) y Adam Driver (J. Edgar y Lincoln y que estará en la próxima esperada película de Mike Nichols, Midnight Special). Grabada en vivo, son versiones completas de viejas canciones folk como Dink's Song. Libremente, se basa en el libro de Dave Van Ronk y sobre todo en las letras, también incluidas en su disco Inside Dave Van Ronk. También algunas canciones surgieron de conversaciones entre los Coen y su habitual productor T-Bone Burnett.

Sin embargo, nada es casualidad en mentes tan apabullantemente inteligentes como la de esta pareja de cineastas. Todo el viaje invisible por las calles de Manhattan con su infiel compañero gatuno, al infierno cultural de Chicago (dónde se encontrará con dos grandes de la interpretación John Goodman y F. Murray Abraham) y al desánimo del fracaso; confluirá en esta odisea circular. Como dato curioso y literario, apuntar que Abraham hará del álter ego de Dante junto a dos pesos pesados Taylor Hackford y Franco Zeffirelli. Historia cargada de sentimiento y música, por dos hermanos que escriben en armonía perfecta.

Ethan Coen expresaba: “Como experiencia ha sido una producción más divertida de hacer por el simple hecho de que muchas escenas se basan en escuchar a un músico tocar una canción. En O Brother! también tuvimos escenas musicales y, en algunos momentos, dejas de sentir que estás haciendo una película y te sientes un espectador viendo una actuación musical. Y eso es grandioso”. Nino dixit: “Qué gozada”.
El círculo vicioso dónde los fracasados son la rampa de lanzamiento para otros emergentes, y más capacitados para la reflexión y la poesía. Amalgama de nueva sangre, con estilos diferentes desde el country al blues, pasando por el jazz o el rock and roll. Una voz descarnada se eleva en la sombra del escenario, una estrella que luchará por los derechos de los ciudadanos y por el amor no correspondido hacia un Llewyn fuera de sí.

Esa voz judía y despeinada que entonaba frases como éstas: "Naces, con nombres equivocados, padres equivocados. Quiero decir, eso sucede. Te puedes llamar como quieras. Este es el país de la libertad". Sin embargo la libertad tiene un precio… un golpe certero que puede hacernos despertar de nuestros sueños a la humilde y sangrante realidad.
Las palabras retumbarán en la cabeza de Llewyn, en su final de trayecto, un callejón oscuro en la parte trasera del Gaslight. Sin Ítaca ni Penélope… ¡Au revoir!

Al menos, el Garfield de rayas “uliseadas” dormirá calentito y con su tripa llena.

**** Notable ****

Drive: luces, contacto... acción. Nicolas Winding Refn.

Nicolas Winding Refn+Cliff Martínez (conexión Angelo Badalamendi) = David Lynch?

2011: Festival de Cannes: Premio al Mejor director.

Luces, contacto... acción.
Comienza "la carrera". Drive, arranca con fuerza (vaya 10min. iniciales), si se convertirá o no en obra de culto, ya lo veremos.
Es un film de acción sui generis, está rodada con algunos elementos que la hacen distinta al resto. Todo se desarrolla dentro del mundo del motor y... la mafia.
Pero, hay un hecho diferenciador, un romanticismo que se torna en salvaje. Aunque yo creo que el salto que protagoniza Ryan Gosling hacia su lado oscuro, no está suficientemente delimitado.

Drive - Tema 14 Hammer, by Cliff Martínez. 


Estas serían las 8 razones por las que merece ser considerada como una película notable:

1) Las películas de acción, no siempre tienen que tener aventura o persecución, sin más.
Cierto, no tienen porqué estar reñidas con el romanticismo.
En Drive, paralelamente a las escenas automovilísticas de alta tensión y violencia extrema, transcurre una curiosa relación entre los dos protagonistas principales. Y es que siempre ha funcionado en la historia del cine, como mejor binomio, chico-chica.

El director danés Nicolas Winding Refn, ya ha dado muestras de su capacidad para componer mundos decadentes, en los límites de la violencia aceptable, en su anterior trabajo Valhalla Rising.

2) Drive pone un listón inicial muy alto.
Ya que en sus primeros minutos de metraje, a través de un montaje excepcional, nos adentra en un nivel de suspense sin parangón.
Con un "in crescendo" apabullante. Lleno de tensión y buen construido su guión es obra de Hossein Amini, basado en una novela de James Sallis.
El suspense de una trama mafiosa marcha a velocidad medido, gracias a la mano (cada día más firme) de Refn coqueteando con el cine negro clásico. Aunque con los matices propios de la generación actual.
Increíbles las escenas de conducción (incluidos cauces secos, semejantes a Terminator 2) y persecuciones que cortan la respiración, con cuchillos asesinos.

3) Una banda sonora que acompaña perfectamente a la historia.
Y es que la música en Drive es esencial. Sin ella, y la estética, no sería el filme que recordamos.

Kavinsky - Nightcall (Drive: Original Movie Soundtrack)


Con matices de sonidos electrónicos y voces envolventes, o asincrónicas. Marcan con bases espirales repetitivas, los derrotes negros y románticos del film.
Un compositor que vuelve a mostrar elementos envolventes en su trabajo, su nombre Cliff Martínez. Antiguo batería de los Red Hot Chili Peppers y ahora compositor de películas como Traffic, Solaris o Contagio.
Me recuerda a la música de Angelo Badalamendi, y las atmósferas creadas para el genio David Lynch. Atractivos acordes con colorido a luces de neón de la gran ciudad.
Un gusto inquietante en nuestros oídos. Canciones de Kavinsky y Lovefoxxx, The Chromatics, Desire o College.
Sí una de las bazas más importantes de un film de culto, es una banda sonora edificante y atractiva... no cabe duda, Drive cumple con creces esa perspectiva.

4) Esa estética ochentera... Muy acertada.
Con ciertos toques de modernidad (sin duda, comprometida con la recreación de la banda sonora, aunque algunos echamos de menos unos acordes de guitarra eléctrica). Otro ejemplo:
The Chromatics "Tick of the Clock":


Todo calculado, en busca de una recreación más que sugerente.
Para una historia de estética a goma quemada y neones fluorescentes, ganan terreno, las chupas de piloto con estampas y colores vivos. Una estética que la otorgará la catalogación de película creadora de moda y estética... ya veremos.

5) Bum, bum, bum.
La tensión no para, la dosificación aumento.
Todo el metraje lo pasas, como cobijado por la historia. Esperando a que el mundo de Drive e Irene salte por los aires.
Así sucede, Nicolas Winding Refn te va a llevar por donde quiere a pesar de ser un joven director. Una carrera ascendente imparable.

Hay momentos que el guión pareciera estar cortado con un cuchillo de dientes de sierra, totalmente ochentero.
Pero, casi nadie esperaba tal estallido.
Cuando la violencia se hace dueña de la pantalla, te patea y arrastra por la butaca. El viraje en el cambio de dirección de los personajes deriva a individuos fuera de la ley, aunque mucho más obscuros.
(Quizás demasiado tajante el cambio violento, a mí me sobra alguna escena. Pero la mafia es la mafia).

6) Los protagonistas, una pareja para el recuerdo.
Ryan Gosling, en un papel controlado y salvaje cuando se requiere. Altas dósis de convencimiento traspasan la pantalla, haciendo que el espectador desde los primeros minutos simpatice con su carismático personaje. Y muchas caras impasibles (que pueden ser un peligro para su carrera en el futuro).
Sin embargo, en las generaciones actuales puede haber creado la imagen de un nuevo...
A Real Hero - College (b.s.o.):

Carey Mulligan siempre llama la atención (sea de rubia o de morena como en An Education o Shame). Pone la pausa y la frescura. Es la normalidad del trabajo bien hecho que contrasta con los caminos cercanos al "frikismo" de los demás personajes.

La colección magnífica de secundarios... ejecutores de sudor, sangre y saliva. Los rostros amables se tornan endiablados, sólo hay que tocar la fibra sensible para que los resorte del mal avancen. Money.

7) El film Drive, entronca con un mundo visualmente onírico, una pesadilla. Y aquí, el genio es David Lynch (la música de Cliff Martínez consigue el resto). A mí me recuerda a los mejores trabajos de Angelo Badalamendi.
Renf y Lynch, se dan la mano, por que ambos juegan a hacer sufrir y gozar al cinéfilo.
El personaje de Gosling, se parece a otros del mundo "lynchiano". Simplemente hay que echar un vistazo al Saylor de Nicolas Cage en Wild at Heart.
Homenajes que denotan una simpatía por la cinematografía del director americano, y de sus personajes, aparentemente simples, pero que en realidad son complejos, enfermos y diabólicos.
Nada de los diálogos pasa desapercibido. Todo nos percute en el cerebro, haciendo saltar nuestras conexiones sensoriales.
Desire - Under Your Spell (directed by Stefan Haverkamp) - Vídeo:


8) Una última cualidad... Una que a mí, personalmente, me apasiona. El mundo del cine dentro del cine. En este caso, encarnados por los pilotos de doblaje.

Creo que va a haber una oleada de acercamientos a la obra anterior, del danés Nicolas Winding Refn.

**** Notable ****

El trabajo de Ryan Gosling junto a Nicholas Windin Renf, su título Only God Forgives.
Teaser Only God Forgives, de Nicholas Windin Renf. Reparto: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Yayaying, Vithaya Pansringar.

Por otro lado, el mismo actor repite con el director Derek Cianfrance (Blue Valantine), con el filme The Place Beyond the Pines. Reparto: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Ray Liotta, Rose Byrne, Ben Mendelsohn, Bruce Greenwood y Dane DeHaan.


Kavinsky - Nightcall

La Clase, La Ola y An Education. ¿Educación?

Tres producciones europeas en las escuelas.

En marzo de 2008, las elecciones generales españolas vieron ganador al partido socialista y presidente a José Luis Rodríguez Zapatero. Ahora en 2013, hay otro presidente que tampoco está por la labor de mejorar las materias educativas del país. No sé muy bien hacia adónde se dirige el futuro de nuestros jóvenes, cada día más perdidos.

Dada la inclinación de los mismos a las políticas de carácter progresista, comenzaron la carrera hacia la legalización de todo tipo de inmigración irregular. Era de imaginar que tarde o temprano, esto traería repercusiones en el sistema educativo español.
Además, de sus devaneos para otorgar a las distintas comunidades autónomas de una mayor permisividad en los métodos para gestionar sus gastos, se produjo un retroceso en la calidad y los medios, de zonas más olvidadas de las regiones españolas.

Así, era de esperar, que otros países europeos también reflejaran los problemas intrínsecos a un proceso de degradación progresiva. El cine lo reflejó también en 2008, con tres cintas de calidad.
En estos momentos de recesión económica galopante y un paro laboral entre los jóvenes inasumible, es gracioso, ver convertidas las calles españolas con los profesores en huelga por una cosa nimia de dos horas a la semana. Cuando las clases en colegios e institutos se han convertido en verdaderos cuadriláteros de confrontación entre chavales, padres y maestros.

Sí, es verdaderamente hilarante que a una huelga convocada por el aparato sindical en la educación, se le sumen los jóvenes. Quizás teledirigidos y con inclinación natural a la ideología de izquierdas (como yo mismo hace ya algunos años). Este país es de pandereta. Aquí, los medios y las películas cierran los ojos a los problemas actuales. Sólo dan puntadas hacia la comedia facilona y exasperante, o las penalidades de la guerra civil española. La política y la comercialidad de lo facilón.

En 2008, Francia refleja sus problemas en los métodos educativos debido a la mezcla de muy distintas conciencias. El cuarto film de Laurent Cantet, La Clase, refleja en un instituto de un barrio marginal, la confrontación de profesores con alumnos que no desean incorporarse a sus métodos educativos. Dónde el diálogo entre distintas culturas y niveles formativos, es prácticamente imposible. Y por tanto, se produce un laberinto del que no se puede salir, sin el uso de la violencia.

*** Buena ***

Aquí en España, cuando se produce este aperturismo regularizador y se producen casos violentos todas las semanas en los colegios (salen por los distintos medios de comunicación). Pero, el cine está mudo.
Esto provocará un deterioro de los servicios imprescindibles para un progreso de la juventud (así como de la sanidad, la justicia y otros medios de protección del ciudadano).
Tampoco los profesores supieron o no quisieron sumarse a la protesta ciudadana, por la agresividad de los hechos. Es probable que muchos siguieran votando a los partidos y siguiendo a las mismas agrupaciones sindicales.

La película alemana La Ola, también estrenada en 2008, muestra más acritud y la violencia supera los límites, cuando se involucra la política y se intenta adoctrinar con la ideología extremista (de cualquier tipo) en los cerebros de jóvenes más moldeables. La dirección de Dennis Gansel, refleja el paralelismo con un caso real acontecido en un instituto de California en 1967.
Pero, si esto ocurre en Alemania y se experimenta con la vuelta a la exclusión por diferencias culturales, raciales o sociales.
Explotaría la bomba en nuestras caras de nuevo.

**** Notable ****

En España, ciertas comunidades autónomas con diferentes grados de autogobierno conducen a los niños a exclusiones y un adoctrinamiento ilógico.
Por lo que, el futuro es un pozo sin fondo de demagogias y separatismo. La educación se produce por osmosis y la facilidad de impregnación infantil, hará lo más normal. La misión está en marcha, el odio.
El cine y la televisión callan. Se ocupan de la sexualidad y las drogas en la juventud, vaya novedad.

Con un gasto del aparataje de mantenimiento de estas ideologías, el Estado se resquebraja, y el gasto se dispara a la desmesura. La crisis se hará gigante.
Se mantiene una elevadísima casta de protegidos en entidades públicas y liberados sindicales. Mientras, muchos de los estudiantes universitarios terminan sus carreras, y se apuntan al paro. Y ven como un rayo de luz en el horizonte, entrar en el mecanismo y la protección del Estado. Masificación...

Así, tenemos en el ruedo social con un paro del 20% y las arcas municipales y estatales a punto del descabello, a los profesores con las 2 "h-orejas" en la mano. Cuando a la mayoría de trabajadores privados, nos amenazan con el despido. A otros congelados, las subidas del IPC, y sin rechistar. Algunos con horillas gratis de rondón, etc...

Con este desesperante panorama, el film "La Ola" se vuelca en la denuncia. Si bien se trata de una ficción o un experimento, arremete con las ideologías, caso contrario a la cinematografía española con una situación irreversible y poco realista de la actualidad. Y el gasto insufrible.
Los niños saldrán con una ideología radicalizada y basada en el odio al foráneo. Mal pinta.

La última producción del año 2008, es una película inglesa titulada An Education, de la danesa Lone Scherfig (Wilbur se quiere suicidar). 3 nominaciones a los Oscars, premios de la crítica y fotografía en Sundance, y mejor actriz dramática, para la interesante y mágica, Carey Mulligan, portentosas interpretaciones como en la exitosa Drive (un reparto de lujo con Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Emma Thompson, Dominic Cooper y Rosamund Pike).
Muestra la atracción de una joven y prometedora estudiante, con pretensiones de entrar en Oxford, por una vida más complaciente, pero peligrosa. Las dudas del camino a elegir y los riesgos de una prosperidad, fuera de los controles y la ley.

Desde luego, un posible camino, para los millones de parados de este país.
Los políticos deberían dar ejemplo, y mantener la claridad en todas sus acciones, con los dineros públicos. Amén.

**** Notable ****

Postdata: también existen películas con otras perspectivas mucho más duras, pero con una visión de futuro no tan apocalíptica. Si quieres pasarlo mal, y echar una mirada a la cruda realidad en las familias desfragmentadas. Un ejemplo es el notable film americano Precious. Pero aviso, dura vida para los marginales...

**** Notable ****


Tráiler Blue Valantine A Love History, de Derek Cianfrance. Reparto: Ryan Gosling, Michelle Williams, Mike Vogel, John Doman.